"EL TESTIGO", DE QUIÑONES. CON "EL BRUJO"

SOBRE LA OBRA: HABLA «EL BRUJO».

Conocí a Fernando Quiñones en los años setenta. Daba unos recitales de cante y poesía acompañado a la guitarra por otro gran poeta de su generación: Félix Grande. Me invitaron a recitar con ellos unos poemas (Eran poetas andaluces contemporáneos suyos, entre los que recuerdo especialmente a Pedro García Baena). El acto fue en el colegio mayor de San Juan Evangelista de Madrid. Quiñones me bautizó después y me presentó al público diciendo: es una rapsoda. Los cantaores flamencos son rapsodas y Fernando Quiñones era poeta y rapsoda.

Era un hombre especial. Su físico era chocante: Ni guapo ni feo. Raro. Su voz todavía la recuerdo. Cierro los ojos leyendo el texto de "El testigo" y puedo oírla. Cuando leí por primera vez El testigo oí LA VOZ. Me ocurrió hace años cuando hice La taberna fantástica. Y nunca más. Ese es el motivo real por el cual yo estoy involucrado en este trabajo. Además, es una deuda antigua. El flamenco fue para mí un ritual de iniciación al arte y fue un método secreto para ganar seguridad cuando comencé a trabajar en el teatro. A los tonos y a los gritos del cante yo les debo mucho como actor. Mi voz se permeó de todo ello, como de todo lo que oí en mi infancia en Andalucía.

Todavía suena todo eso en mi memoria como las campanas de la iglesia de mi pueblo. Al misterio que encierra el canta jondo le debo más, pero eso no puedo explicarlo aquí. Tengo que hacerlo en el escenario, con el texto de Fernando Quiñones. A lo largo de dos meses de ensayo he ido descubriendo cada vez más matices y sabiduría poética, y sentido del ritmo, y de la medida, y delicadeza, en este aparente costumbrismo que encubre en el texto de Quiñones, algo más que está debajo de la fachada: el conocimiento profundo y el estilo de un grandísimo escritor. No me extraña en absoluto que Borges le apreciara sobremanera.

Espero estar a la altura de las circunstancias y vengo aquí con el respeto y la reverencia que me inspiran tanto el cante como la mestróa literaria de un hombre que supo transmutar su devoción por el cante en filosofía, poesía y gracia. Cuando Francisco Ortuño (Al que agradezco que pusiera en mis manos esta joya), me dijo que este texto era la elevación del flamenco a la categoría de pensamiento yo no sabia lo que estaba diciendo. Aunque la frase me gustó. Por quedar bien le dije: Por supuesto. Y me quedé pensando... pero de verdad que no lo sabía. Hoy, después de haber estudiado El testigo, yo puedo asegurar que el cante ya es en si mismo pensamiento.

El cante está elevado cuando se hace presente a través de alguien como Miguel Pantalón; «El cante es el diamante de la India», como ha dicho Fernando Quiñones.

Ya ha habido algunos cantaores que han ido desde Andalucía hasta la India buscándolo. Pero ¿Qué es ese diamante? ¿Que secretos encierra? Y un Miguel Pantalón ¿Dónde calza hoy día, un Miguel Pantalón? Espero que después pueda usted mismo responder estas preguntas. Yo ya me tengo que ir yendo porque empieza la función. Con su permiso antes voy a tomarme una copita. El golpe de viento es malo para la voz. Pero... ya está.... ¡Voy! Empieza la función.

SOBRE “EL BRUJO”: HABLA LA CRÍTICA.

María José S. Mayo (El Confidencial): «El actor despliega su dominio del gesto, tanto, que es capaz de hacer un juego de intensidades con él, combinándolo con una voz de cazallero cuyo volumen sabe subir o dejar en el susurro en el momento exacto. Además, como en otros espectáculos, demuestra que sabe meterse al público en el bolsillo con detalles como mirar la hora y decir que ya "no hay más que contar", porque "sería repetirse". Y sin embargo sigue. Y funciona.»

Javier Vallejo (El País): «En El testigo, El Brujo tiene sandunga. No canta, pero clava el texto como Enrique El Mellizo la malagueña, lo llena de intenciones, apura su humor lacerante y el público de a diario se lo aplaude largo.»

Javier Redondo Jordán (avuelapluma.com): «Y es que ver a El Brujo es mirar a los ojos a la Historia del teatro de nuestro país. Su forma de hacer las cosas ―herencia del Nobel Darío Fo― es un subgénero en sí mismo en las tablas españolas. Muchos le deben gran parte de su educación sentimental escénica.»

Javier Miranda (El Diario de Cádiz): «Álvarez ofrece su inimitable ritmo, su cadencia, sus cambios de tono, dando a pesar de las risas toda la tristeza del anónimo testigo y de lo que narra. Como los flamencos, dio un fin de fiesta. Improvisado o preparado, una vez más no importa. Fue un momento irrepetible, mágico, que rindió a un público que desafiando una noche de perros llenó el Falla.»

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22 DE NOVIEMBRE DE 2013 – TEATRO IDEAL CINEMA – 21:30 HORAS

COMPAÑÍA DE RAFAEL ÁLVAREZ «EL BRUJO»

REPARTO Y DIRECCIÓN: Rafael Álvarez «El Brujo».

Entradas: 18 euros (Zona A), 16 euros (Zona B, con descuentos de 3 euros según folleto informativo) y 13 euros (Zona C).

EL RÉGIMEN DEL PIENSO: LO QUE DICE LA CRÍTICA

Sandra Comisso (Clarín, Buenos Aires): «Con La Zaranda, lo argumental es lo de menos.»

Susana Freire (La Nación, Buenos Aires): «La Zaranda logra con esta obra un efecto contundente que moviliza al espectador, pero nada de esto hubiera sido conmovedor sin la interpretación de los actores que logran una composición inimitable.»

Hilda Carrera (Página 12, Buenos Aires): «El Régimen del Pienso se constituye en una vivencia única.»

Juan José Santillán (Clarín, Buenos Aires): «Como en el cine catástrofe, los andaluces de La Zaranda trasladan al teatro destinos particulares en épocas postreras de lo humano.»

Silvia Urite (Notas de Teatro, Buenos Aires): «Una obra fuerte, pero que sorprende por su tono grotesco, que causa amargas carcajadas a la audiencia. La Zaranda se posiciona políticamente y critica al capitalismo salvaje, asumiendo que allí no está la respuesta sino el origen del mal.»

Gregorio Morán (La Vanguardia): «Yo creo que es su mejor obra, El Régimen del Pienso; una parábola orwelliana del presente más obvio.»

Carlos Torquero (El Mundo): «Un texto transgresor para sortear ese tremendo aparato burocrático, esa vida ficticia, ese simulacro, esa falsificación que nos obliga a mantener y pasar el Sistema desde que nacemos hasta que morimos. Aquí La Zaranda se rejuvenece, aunque mantiene intacto su compromiso existencial, espacio escénico y dirección. Magnífica.»

Fernando Herrero (El Norte de Castilla): «La sociedad de hoy al descubierto en toda su estupidez y su codicia. La humanidad cada vez más deletérea e inane. Interpretada con una impresionante autoridad y magnífica estética.»

Manuel Sesma (Artez): <«Salí tocada de ver El Régimen del Pienso de La Zaranda... Hay mucha amargura en este montaje de La Zaranda. Hay desconsuelo y, paradójicamente, un fino humor. Transmite la soledad del individuo corriente, su impotencia frente a una sociedad impía. Y por otra parte, la pieza sugiere una sonrisa irónica, la referencia a una sociedad en descomposición, que la que estos días nos muestran los medios informativos, hará que los comulgantes “zarandinos” sean cada vez más».

Marcos Ordóñez (El País): «Liturgia, estilazo. Estos genios son únicos a la hora de recrear un cadáver con una corbata a modo de esternón, y hacernos ver unos pies yertos en unos zapatos vacíos, y de trazar los laberintos del castillo con cuatro flexos...»

Joaquim Armengol (Planetari): «Adoro La Zaranda. Me gusta el aire kafkiano y alegórico, el mensaje representado. ¡Bravo! La Zaranda, una vez más en un acto de protesta, mostrando su auténtico y maravilloso comportamiento escénico.»

Javier Vallejo (El País): «Luis Enrique Bustos, Gaspar Campuzano y Paco Sánchez, los actores de siempre de La Zaranda, hacen un trabajo soberbio, íntegro, en los tuétanos; y Javier Semprún, de Teatro Corsario, otra compañía independiente de bandera, empasta muy bien con ellos, aún con otro acento, en el papel de empleado cesante. Hay cierto manierismo en este trabajo, una ironía dosificada, un escepticismo hondo sobre la condición humana y sobre la posibilidad de un cambio moral, y una luz incisiva de Calonge que da empaque a la funcional escenografía de estanterías metálicas rodantes de Paco de La Zaranda.»

Juan Ignacio García Garzón (ABC): «La utilización de materiales sencillos y convencionales que propone el espectáculo es de una imaginación estupefaciente, pura marca del estilo de estos teatreros cuya inventiva parece más joven cada año. (...) Un montaje de inquietante intensidad trágica y humor venenoso, bañado por la iluminación decrépita que firma Eusebio Calonge, autor de cabecera de la compañía.»

Javier Villán (El Mundo): «A lo largo de los años La Zaranda ha creado un estilo definido: un tenebrismo que va de las pinturas negras de Goya al Teatro de la Muerte de Tadeus Cantor con incursiones en una visualidad sombría; y los textos de Eusebio Calonge: repetitivos, casi minimalistas, llenos de tristeza y de desesperación alimentados por la fronda gestual y la entonación verbal. Y un humor que, piadosamente, podríamos llamar negro, pero es otra cosa: la destilación de un asombro permanente, del absurdo pobre y de la incomunicación balbuciente por mucho que las palabras y el contacto físico se repitan: una ética y una estética.»

JULIO CÉSAR: LO QUE DICE LA CRÍTICA

Marcos Ordóñez (El País): «Está muy bien conseguida la atmósfera turbia de la conjura, esa larga noche de tormenta atravesada por negros presagios, y el despacho en el que vela Bruto, atormentado e insomne, bajo una luz que parece evocar un gabinete franquista en vísperas del alzamiento.»

Begoña Barrena (El País): «Mario Gas es un actor de grandeza shakesperiana. Su presencia en escena, su voz y cómo modula, su energía, la fuerza de sus palabras y su composición de este semidiós romano lo impregna todo pese a sus pocas apariciones.»

Antonio Arco (La Verdad): «Mario Gas está tan inmenso como Julio César, pero todavía tiene más mérito el trabajo de Sergio Peris-Mencheta dando vida a Marco Antonio, que es un personaje que nos clavó para siempre en la memoria Marlon Brandon y que tiene mil dificultades; Peris-Mencheta las vence todas y está espléndido: malvado, astuto, peligroso, demoledor. Su discurso al pueblo, en los funerales de César, es memorable. (...) Paco Azorín, el director, logra imágenes visuales muy potentes y la plasticidad de sus propuestas te atrapa y te mantiene felizmente despierto.»

Julia Alvadalejo (La Opinión): «El Julio César de Paco Azorín es pura energía. Pura testosterona, fuerza y violencia —a veces física y casi siempre verbal— sobre un escenario vestido impecablemente con la sobriedad del Azorín escenógrafo y con la maravillosa luz de Pedro Yagüe. Los ocho actores del reparto son ocho “bestias” vestidas con uniforme y toga, que salen airosos del reto que supone interpretar a Shakespeare.»

CALÍGULA: LO QUE DICE LA CRÍTICA

Antonio Illán (ABC): «Excelente elenco de actores. (...) Teatro para reflexionar, para provocar y para enseñar deleitando este excelente Calígula de Joaquín Vida y Cosmoarte.»

Cynthia Patricio (C’Mon Murcia): «Recomiendo que veáis esta obra de teatro; si tenéis la suerte de ver la versión de Joaquín Vida con la compañía Cosmoarte sería estupendo.»

G. Suevos (Ideal): «El granadino Joaquín Vida dirige una obra de gran actualidad en la sociedad actual, con un reparto de lujo.»

El Heraldo de Aragón: «Una versión íntegra y basada en el texto original de Albert Camus que lleva a las tablas del escenario a un Calígula "tierno" y "genocida", que los espectadores llegarán a querer y odiar al mismo tiempo.»

Rafael Cobo (Diario de Córdoba): «Pero sin lugar a dudas, si en la interpretación hubo que destacar a un actor, ese fue sin lugar a dudas el televisivo Javier Collado Goyanes.»

A.D.M. (La Tribuna de Toledo): «Una obra que desafía todos los tópicos y que ha representado para el siglo XX uno de los gritos más desgarradoramente serenos y claros de la historia. (...) Joaquín Vida puede sentirse orgulloso del espectáculo. (...) Impresionante enfoque, excelente reparto —enorme, José Hervás— y cantera segura para los alarmistas. Con intérpretes como Collado Goyanes y Torray, al menos una generación de actores españoles está asegurada. Sinceramente, habría que ser un lunático, esta vez sí, para perdérsela.»

Laculturería: «Joaquín Vida ofrece su propia visión del gran general de la Roma Imperial con un ambicioso montaje que cuenta en el reparto con los nombres de Javier Collado Goyanes, Alejandra Torray, Fernando Conde, José Hervás y Juan Antonio Molina, entre otros.»

E.N.C.L.M. (Diario de Castilla La Mancha): «En Cosmoarte se han decidido por el Coliseo toledano para poner en marcha su nuevo espectáculo con una de las grandes obras del siglo XX, contando con un extenso y reconocido reparto y todo dirigido por uno de los mejores directores de escena del panorama teatral nacional.»

E. Santorromán (El Periódico de Aragón): «Un Calígula que busca la verdad.»

DESCLASIFICADOS: LO QUE DICE LA CRÍTICA

Juan Ignacio García Garzón (ABC): «A través de una tracería de diálogos eléctricos, el autor juega con una tensa ambigüedad que instala la desazón en los estómagos. Hay alguna caída de tensión y cierta tendencia lo discursivo, pero la obra mantiene prendida la atención del público durante los ochenta minutos que dura.»

Raquel Gómez (20 Minutos): «En el texto de Pere Riera tiene más peso el fondo que la forma. (...) Juega a favor de la obra, además, que no recurre al truco fácil de sostener la intriga sobre una información que se el está ocultando al público. Y está, desde luego, bien estruturado. (...) Alicia Borrachero interpreta con solvencia a la periodista; durante toda la representación transmite la abstracta sensación de que es ella quien domina al personaje y no a la inversa. Joaquín Climent está impecable como el presidente, y Jordi Rebellón, que arranca dubitativo, va mejorando en el papel de secretario conforma avanza la función.»

Raúl Losánez (La Gaceta de los Negocios): «Hay objetividad y honestidad en el enfoque “metafísico” de la obra —aunque no hubiera estado mal meter más el dedo en la llaga— y hay esa imprescindible destreza técnica en la elaboración de la dramaturgia, que hace que la función, con sus convenientes dosis de intriga, resulte entretenida ante todo.»

Jesús E. Cano Gómez (masteatro.com). «Buenos actores y una buena historia. Su trabajo va cogiendo fuerza del mismo modo que le ocurre a la obra. Diría que sus interpretaciones son muy fieles al tono del texto y a la realidad. A estos personajes los conocemos ya. Los hemos visto en nuestros televisores cientos de veces. Tienen diferentes nombres y rostros, aunque siempre son los mismos. Pero nunca les vemos de verdad. “Desclasificados” nos da la oportunidad de conocerlos algo mejor. Lo que me aterroriza es que la ficción parece muy real.»

Sacra (todosalteatro.com): «Nos encontramos ante una de las grandes sorpresas de la temporada teatral en Madrid. (...) Este magistral trío, que nunca más puede estar de plena actualidad, estará interpretado por tres grandes de la televisión, habituales de nuestras series y que han sabido ganarnos el corazón a base del trabajo bien hecho, constante y meditado.»

Rafael Feito: «La obra es una magnífica ejemplificación de cómo desde la astucia y el abuso del poder se puede doblegar a una periodista que con su previsible explosiva entrevista haría caer al presidente.»

COMPAÑÍA ATALAYA: LO QUE DICE LA PRENSA

Javier Vigorra (El Correo de Andalucía): «Muestra del teatro andaluz más riguroso, intenso y documentado. Mágico, sorprendente y vitalista.»

M.G.A. (Diario de Cádiz): «Atalaya se nos muestra como uno de los más sólidos, frescos, talentosos y serios combos teatrales andaluces. Hacen del teatro algo vivo, atractivo, hondo, vigente y desgarrador. Ciertamente placentero.»

Enrique Herreras (Levante): «Atalaya es uno de los grupos más potentes e innovadores de España.»

Rosalía Gómez (Diario de Sevilla): «Atalaya es dueña de una técnica y precisión raros de ver en los escenarios.»

Ignacio Sánchez Quirós (Diario de Jerez): «Estupenda compañía. Enorme impacto, fuerza y contundencia. Una desusada belleza plástica.»

Julio César (El Mundo): «Atalaya es una de las compañías más veteranas e interesantes de España.»

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MADRE CORAJE, de Bertolt Brecht

COMPAÑÍA ATALAYA, dirigida por Ricardo Iniesta

Jueves 31 de octubre, 21:30 horas

TEATRO DE LA SA.FA.

Precio de las entradas (numeradas): 12 euros, entrada única.

Descuentos: de 3 euros para mayores, jóvenes, familias numerosas, desempleados y alumnos de las Escuelas Municipales.

TOMAR PARTIDO

Con Tomar partido, nos encontramos ante una de las joyas de la XIX Edición de la Muestra de Teatro de Otoño. Una obra de teatro aclamada por la crítica y respetada por los públicos, que conmueve y hace pensar, que emociona y que pone sobre las tablas un reparto de actores maravillosos. Una obra que no pueden perderse quienes de verdad presumen de saber de teatro, de querer al teatro, de gustar del teatro.

SINOSIS.

Berlín. 1946. Una ciudad destruida. Imagen dantesca. La quintaesencia del fracaso, la consecuencia de la guerra. Destrucción, desorientación, muerte. Fin de una etapa. Asistimos al os prolegómenos y averiguaciones preparatorias para el proceso que llevará a cabo la Comisión Antinazi para los Artistas. El comandante Steve Arnold, en su vida civil inspector de seguros, recibe el encargo de investigar las implicaciones del director de orquesta Wilheim Furtwängler en la Alemania nazi de 1933 a 1945.

Construida sobre escombros, esta obra intenta reflexionar sobre la reconstrucción moral dela humanidad, la búsqueda de unos valores nuevos. En el ritual habitual del teatro, el público obtiene una respuesta que le libera moralmente de tomar partido. Como en el mejor teatro griego, aquí sucede todo lo contrario, se desafía al espectador a decantarse por la búsqueda de la verdad ante dos actitudes, dos maneras de enfrentarse a una terrible realidad política.

¿Es necesario tomar partido? ¿Qué debería haber hecho Furtwängler? ¿Debió quedarse, como hizo, o simplemente debió huir para no colaborar con aquel régimen? ¿Es posible aislar el arte de la política? ¿Se puede hacer un arte político? ¿El artista está por encima de los aconteceres políticos o por el contrario se ve envuelto en ellos?

Basada en hechos históricos, la obra no busca enjuiciar o condenar como en tantas otras ocasiones, sino poner sobre las tablas los interrogantes del debate universal sobre Arte y Política, sobre el hombre y el artista, y en definitiva sobre las miserias y las grandezas del ser humano.

Por cierto... el cartel de la obra es sencillamente espectacular. Una auténtica joya.

LA CRÍTICA HA DICHO...

Paco Inestrosa, (La Opinión de Málaga): «Una generosa demostración actoral de Roberto Quintana.».

Sébastien Rampon (El Club Express): «El enfrentamiento psicológico que vertebra este apasionante montaje adaptado de la obra de Ronald Harwood recuerda al mejor cine-requesitorio hollywoodiense, tipo La caja de música de Costa-Gabras o Veredicto final, de Sydney Lumet.»

Pablo Bujalance (Málaga Hoy): «Dechent borda el mejor trabajo de sus últimos años con un comandante Arnold soberbio.»

Javier Paisano (Diario de Sevilla): «Pedro Álvarez-Ossorio ha conseguido una obra en mayúsculas.»

Miguel Ángel Barba (Aforo Libre): «(...) gran escenografía, espacio sonoro cargado de sensaciones musicales y notable dirección logran redondear un espectáculo que transporta, toca la fibra, remueve las entrañas y despierta los cerebros.»

Francisco Gutiérrez (Diario Sur): «La versión de Álvarez-Ossorio, lejos de realizar un juicio histórico, plantea al espectador las grandes contradicciones del ser humano.»

Pablo Bujalance (Málaga Hoy): «Aquí el teatro es de altura. Véanlo.»

Julio Martín Velasco (ABC): «Si el texto es excelente, no lo es menos la dirección de Álvarez-Ossorio, tanto en su trabajo sobre los actores como en la puesta en escena. La interpretación merece una nota de sobresaliente cum laude.»

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TOMAR PARTIDO

(Ronald Harwood)

5 de octubre de 2013 – Teatro Ideal Cinema – 21:30 horas

COMPAÑÍA LA FUNDICIÓN, de SEVILLA

REPARTO: Antonio Dechent, Roberto Quintana, Emilio Alonso, José Manuel Ponga, Rocío Borralbo, José David Gil.

DIRECCIÓN: Pedro Álvarez-Ossorio.

JUANCÁLLATE, DE PEZ EN RAYA

JUANCÁLLATE.

Ninguna cerradura podía retenerlo, ninguna tumba podía encerrarlo, ningún público podía resistirse: era Harry Houdini, el mejor mago y artista del escapismo de todos los tiempos que embarcaba a su público en un vertiginoso viaje con números sobrehumanos que desafiaban a la muerte.

Un 31 octubre de 1926 Harry Houdini, el gran escapista de todos los tiempos, parte de este mundo convirtiéndose en un mito para siempre. 87 años más tarde Juancállate homenajea al gran Harry Houdini en clave de humor absurdo, con muchas dosis de cachondeo que pretende llegar al patio de butacas en paracaídas, sin gravedad, con un deseo incontrolable de despertar en el espectador la risa. Y eso es lo que parece que esta obra ha ido consiguiendo en los pases más o menos privado que la Compañía ha hecho de ella hasta el momento, ante amigos del mundo del teatro mayoritariamente, para perfilar y apuntalar el gran estreno que tiene lugar en Úbeda.

LA COMPAÑÍA.

Después de 15 años juntos encima del escenario Pezenraya presenta un nuevo espectáculo de humor absurdo con su peculiar estilo, marca de la casa, que en los pases previos al estreno realizados para compañeros del mundo escénico ha cautivado por su frescura y por su capacidad para implicar al público, que pasa a convertirse en un actos más de este montaje. Y es que investigar nuevas formas de sorprender al espectador para provocar la carcajada inevitable que produce un buen chiste, es el trabajo que Pez en Raya lleva realizando desde su nacimiento en Sevilla en 1997. Un lenguaje loco y el absurdo más cuidado son las bazas de esta compañía «cataluza» y que ya ha girado con sus 8 espectáculos por medio mundo: Festival Internacional de Clown de Nueva York, Festival Internacional de Teatro de Shanghai (China), Festival Internacional de Teatro de Edimburgo (Escocia), Festival de Teatro del Absurdo de Castelvetro (Italia), Festival de Clown de Zurich (Suiza), Festival Internacional de Humor de Madrid, Venezuela, Colombia, Costa Rica, El Salvador, Inglaterra, … y un largo etcétera dentro de nuestras fronteras.

Por suerte para el público ubetense, Pez en Raya no es una desconocida. Si bien sus primeras actuaciones en nuestra ciudad pasaron desapercibidas y el público que asistía a ellas era muy escaso, el boca a boca hizo posible esa magia que sólo sucede cuando los públicos se enfrentan a algo que los convierte en cómplices y que para cautivarlos los envuelve con su magia. Pero de entre todas las actuaciones de Pez en Raya en Úbeda, quedará en la memoria de quienes tuvieron la inmensa suerte de presenciarla la del 29 de enero de 2006; ese día, en medio de una fuerte nevada y en el Teatro de la SA.FA., ante un puñado de incondicionales del humor de estos sevillanocatalanes, Cristina Medina bordó en Solalá una de las obras más hilarantes que nunca se hayan representado en Úbeda.

Y sin duda, el estreno de Juancállate en Úbeda es una brillante manera de formalizar el compromiso entre Úbeda y estos dos genios del humor. Si eres viejo y tienes ganas de reírte... ¿te lo vas a perder? Si eres joven y tienes ganas de descubrir lo que es el teatro de humor... ¿te lo vas a perder? Si eres cuarentón y quieres desconectar durante un buen rato de los problemas y de la crisis... ¿te lo vas a perder? Si eres tú, simplemente... ¿te lo vas a perder?

HAN DICHO DE PEZ EN RAYA...

Javier Villán (El Mundo): «Hacen todo lo posible por exprimir las raíces del absurdo y retorcerle el cuello a la lógica y la razón.»

Albert T. Rivera (Le Cool): «Pez en Raya, un derroche de talento, humor, surrealismo y generosidad como pocos en el panorama actual.»

Iolanda G. Madariaga (El Mundo): «Pez en Raya domina un despliegue de recursos teatrales tan bien dosificados y recreados que elevan el espectáculo a la categoría de gran teatro del absurdo.»

Pablo Ley (El País): «Tienen ese encanto tan especial, esa complicidad, que necesitan los payasos para plantarse ante un público y hacerle reír.»

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JUANCÁLLATE

(Cristina Medina y Joan Estrader)

3 de octubre de 2013 – Teatro Ideal Cinema – 21:30 horas

COMPAÑÍA PEZ EN RAYA

REPARTO: Joan Estrader.

DIRECCIÓN: Cristina Medina.

EL NIÑO JUDÍO

La zarzuela es, desde hace muchos tiempos, un hito ineludible en la Muestra de Teatro de Otoño: son legión los aficionados al género chico en nuestra ciudad, herederos de las grandes temporales líricas de que disfrutó la ciudad desde finales del siglo XIX y hasta bien mediado el siglo XX, en la edad de oro de la zarzuela. Con El niño judío estos aficionados líricos podrán disfrutar como en los viejos tiempos.

Esta obra, en tono de humor y vodevil, narra las peripecias de tres personajes, Jenaro, un librero cansado de trabajar sin tener apenas nada, su consentida hija Concha y el jovencito judío Samuel, enamorado de ésta y tan madrileño como los anteriores, quienes partiendo de Madrid, recorren Alepo y la India para ir a la búsqueda de la supuesta fortuna del también supuesto padre de Samuel. De resultas de esta trama se obtiene una auténtica «road movie musical, teatral y oriental», una de las zarzuelas más originales de todos los tiempos y un anticipo de los musicales que tan en boga están hoy en día.

Con esta obra, estrenada el pasado mes de junio con arrollador éxito, la Compañía Lírica Andaluza se consolida como un referente en el mundo de la lírica a nivel nacional. Ingredientes sobrados tiene la obra para ello, ya que cuenta con la música en directo de la magnífica Orquesta de la Universidad de Jaén y la intervención sobre la tablas de más de 50 artistas de distintas disciplinas, la mayoría nacidos y formados en la provincia de Jaén: actores, coros, ballet oriental, cantantes solistas, figurantes... Y junto a todo lo anterior no se puede obviar una extraordinaria escenografía, que incluye tres ambientes diferentes (una librería, un mercado sirio, un palacio hindú), lo que incrementa la espectacularidad y el colorido de la obra.

LA CRÍTICA HA DICHO...

Andalucía Información: «Es una trama intemporal que hace que esta zarzuela se aleje del casticismo tópico de la zarzuelas más conocidas, y se adentre de lleno en el campo de la Comedia Musical u Opereta, y precise de una dinámica y vigorosa puesta en escena que atrape al espectador desde el principio en el bullicio de los zocos orientales y en el boato de los palacios hindúes. Escenas donde queda patente la genialidad del compositor al reflejar en esta partitura la interculturalidad de Occidente y Oriente. Un espectáculo visual y auditivo que hará que muchos se enamoren, si no lo estaban ya, de este género artístico para nada casposo ni agotado.»

Diario Jaén: «Una zarzuela en dos actos, muy divertida, cercana al teatro musical, con un sorprendente montaje, el séptimo de la compañía jiennense, en el que participan más de 200 personas.»

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EL NIÑO JUDÍO

(Libreto de Antonio Paso y Enrique García Álvarez

y música del maestro Pablo Luna)

2 de octubre de 2013 – Teatro Ideal Cinema – 21:30 horas

COMPAÑÍA LÍRICA ANDALUZA

REPARTO: Alberto Puig, Gema García, Javier Pajares, Paco Ruiz, Berna Perles, Alberto Cano, Jesús Lumbreras, Javier Lendínez, Tiago da Paz, Gema García, Miguel Ángel Martín, Manuel García, Pedro de Haro, Paco Ariza, Alicia Ruiz, Óscar Martínez, Ana Martínez, Juan Antonio Gutiérrez.

ORQUESTA ENSEMBLE CÁMARA DE LA UNIVERSIDAD DE JAÉN.

DIRECCIÓN MUSICAL: Rafael Garrigós y Cecilia Cueva.

DIRECCIÓN DE ESCENA: Juan Corpas.

DE AMOR Y LUJURIA

LA OBRA. Dice María José Goyanes de esta obra: «He querido mostrar cómo destacados autores de nuestra literatura tratan en su poesía las diferentes facetas del amor. El erotismo como parte integrante del amor, la pasión e incluso la lujuria son tratados en poemas sorprendentes. Desde el Siglo de Oro, docto en amores por excelencia, se puede hacer un recorrido en el que maestros de la poesía como Lope de Vega, Calderón, Cervantes o Quevedo nos deslumbran con piezas que son sin duda alguna joyas auténticas de la literatura universal. El placer que un actor siente al recitar debe ser semejante al del autor cuando alcanza esos momentos de inspiración; y los actores que estamos en esta obra compartimos ese sentimiento que deseamos contagiarle al público, para que juntos disfrutemos del amor en todos sus matices por medio de la poesía y de una obra sorprendente, divertida, que pone en valor la poesía menos conocida de los clásicos españoles del Siglo de Oro. Y es que encontrar estos textos es toda una sorpresa, porque no te esperas que esos autores que has leído en tu juventud hayan podido escribir poemas tan eróticos y sensuales.»

LOS CLÁSICOS Y SU VIGENCIA. Y lleva razón la Goyanes al expresar su sorpresa. Que al fin y al cabo es un poco la sorpresa de cada uno de nosotros cuando nos acercamos a los clásicos. Porque... ¿qué es un clásico? Al final, un clásico es eso: alguien que en una época concreta escribe pensando condensar su tiempo y lo que hace en realidad es abarcar toda la realidad de todos los hombres en todas las eras. De ahí la permanente actualidad de los clásicos, su inacabable vigencia, su constante apelación a las cuestiones en las que permanentemente nos debatimos. Pero los clásicos, claro está, no siempre tienen que tomarse por el lado dramático o tenebroso. Porque al fin y al cabo nadie nos hablará como Quevedo sobre la muerte o sobre el amor ni nadie como los clásicos nos remitirá a las grandes cuestiones morales o filosóficas; pero igualmente, nadie como los clásicos nos hará reír —pese a su amargor, ¿hay humor más fino y conseguido que el del Quijote o el Lazarillo?— o nos hará sonrojarnos o erizarnos con las cosas de la sexualidad. Y ese es el gran mérito de esta obra: que le brinda al público la oportunidad de reír y disfrutar con los clásicos, descubriendo que los clásicos son divertidos y que nadie como ellos puede hacernos felices. El Siglo de Oro está lleno de nombres extraordinarios, como si una balsa de sabiduría y de arte y de amor a la belleza se hubiese desbordado sobre el mapa histórico de España. Gracias a De amor y lujuria el público ubetense sabrá que el Siglo de Oro está también lleno de guiños picantes, verderones y subidos de tono. Porque, permítasenos el atrevimiento, nuestros clásicos ya entendieron y lo hicieron sin pudor, que la jodienda es algo que no tiene enmienda. Y si no se lo creen, no tienen más que asistir al teatro para comprobarlo de la mano de cuatro grandes de la escena española contemporánea. Y verán como al salir, miran a su pareja con otros ojos.

CRÍTICAS DE LA OBRA.

La Información. "Un recital de textos eróticos del Siglo de Oro que, en alguna ocasión, ruborizan al público en una sociedad que todavía siente pudor al hablar de sexo."

Juan Ignacio García Garzón (EFE): "En poco más de una hora, los albores de la pasión, la consumación, los celos, las diatribas, el rijo y el deleite bullen en un espectáculo muy bien estructurado, que arranca con los altos vuelos del enamoramiento y concluye, pie a tierra, con un paseo por piececillas de carácter procaz que nos muestran el rostro gamberro y libidinoso de nuestros clásicos."

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DE AMOR Y LUJURIA (A partir de los clásicos del Siglo de Oro)

1 de octubre de 2013 – Teatro Ideal Cinema – 21:30 horas

EUROSCENA.

REPARTO: María José Goyanes, Emilio Gutiérrez Caba, Ramón Langa, Cristina Goyanes.

DIRECCIÓN: María José Goyanes. 

ACTION MAN

Hasta ahora, YLLANA en Úbeda ha hecho de todo: ha instalado un corredor de la muerte o una plaza de toros, nos ha desvelado los entresijos del mundo financiero o nos ha regalado un soberbio y loco concierto de música clásica. Lo único que le faltaba era traernos el espectáculo en solitario de uno de sus actores. Y lo hace hoy, cuando presenta ACTION MAN, un espectáculo en el que Raúl Cano (actor de YLLANA en Glub Glub, 666 y Star Trip; de los dos últimos espectáculos es coautor), solo sobre el escenario y rememorando aquellos muñecos de nuestra infancia, da vida a diversos personajes y situaciones, ofreciendo un gran derroche mímico y un generoso dominio del cuerpo con un estilo propio, utilizando siempre una magnífica y precisa sonorización.

El personaje principal, un Superagente Especial en su última misión, se ve envuelto en una serie de situaciones cómicas que beben del mejor humor cinematográfico, televisivo y del cómic. Raúl Cano domina todas esas facetas del humor, pues no en vano, además de su trabajo teatral ha participado en películas como “Cuarta planta” o “La balsa de piedra” y series televisivas como “La Tira”, “La que se avecina”, “El Comisario” o “La hora de José Mota”.

Ahora se embarca en su primera película de acción teatral... “¡Esperemos que no la cague!”, nos dicen desde YLLANA. Desde luego, si nos atenemos a los éxitos que la obra viene cosechando en teatros de toda España, Raúl Cano no sólo no la “ha cagado” sino que lo ha bordado. Es lo que dice también la extraordinaria cosecha de críticas que cosecha ACTION MAN. Veamos algunas.

“La obra ACTION MAN de Yllana dejó boquiabiertos a los espectadores.” Andrea Malvido (El Faro de Vigo).

“Una obra sin duda original. Un proyector y un colosal actor rey de la mímica consiguen llenar un inmenso escenario, en el que conjuntamente con el juego de luces y sonidos se consigue hacer una estupenda comedia teatral, más monólogo que obra, y que consigue mantener al espectador divertido.” Fusion Freak.

“Un sorprendente actor con muchos recursos brinda un espectáculo sorprendente donde todo se creía inventado. Imaginación, talento y buen humor para toda la familia.” Horacio Otheguy Riveira (Suite 101).

“Cano es un maestro de la interpretación gestual y de los sonidos, verdadero espectáculo recreando animales, sonidos de la calle, tiroteos... cualquier cosa está a su alcance, todo ello dando forma a un espectáculo al más puro estilo cinematográfico, divertido, exagerado y ante todo explosivo. Una lucha sin cuartel contra nuestra mandíbula.” Miguel Rivera (CineatraliA)

“Una pantomima contada mediante el gesto que atrae a todo tipo de público. Un súper agente de carne y metal al cual pueden hacerle de todo y que a pesar de ello sigue en pie, eso sí, con un gran corazón y un enorme sentido del humor que busca ante todo que no se pierda la risa ni en los momentos de crisis.” Rocío Pastor Eugenio (Womanword).

“Más que una obra, lo suyo es toda una película de acción teatral y gestual.” Godot, Revista de las Artes Escénicas.

(ACTION MAN, de YLLANA, se representa esta noche a las 21:00 horas en el Teatro Ideal Cinema)

CRISTINA MEDINA, PEZ EN RAYA: REÍR POR REÍR

La sevillana Cristina Medina es una de las mayores actrices cómicas de nuestro país y su rostro se ha convertido en uno de los más conocidos por el gran público gracias a su participación en la serie “La que se avecina”. Sin embargo, antes de dar el salto a la pequeña pantalla Cristina Medina arrastraba ya una fecunda carrera artística.

En sus inicios había trabajado en el Centro Andaluz de Teatro o en compañías tan prestigiosas como TNT o Atalaya, dirigida por el ubetense Ricardo Iniesta. Su participación en el montaje del Miles Gloriousus de Plauto que en 1996 realizó TNT bajo la dirección de Juan Dolores Caballero le valió el Premio a la Mejor Actriz en la Feria de Teatro del Sur de Palma del Río y el elogio sin condiciones de Julio Martínez Velasco que dijo de ella en las páginas de ABC: “Punto y aparte merece el excelente trabajo de Cristina Medina, que constituye toda una revelación, un gozoso descubrimiento. Hace el personaje Palestrión, esclavo del militar (...). Y lo borda con una rotundidad excepcional. (...) Cristina Medina —tomamos nota del nombre porque esperamos de ella excelsas creaciones— no tiene nada que envidiar a ninguna actriz. Si el más ansiado premio es el aplauso, desde estas páginas bato palmas en su honor”.

En 1997 creó junto a Joan Estrader la Compañía PEZ EN RAYA, nombre extraño para una compañía teatral que remite a uno de los iconos del teatro de humor. Cuenta Cristina Medina que Estrader y ella eligieron ese nombre tomándose un café, “la primera vez que tuvimos que presentar una subvención. A los dos nos gustan los luegos, tres en raya es un juego, a Joan le gustan mucho los peces, pues Pez en Raya. Así de fácil.” Joan Estrader era uno de los jóvenes actores promesa del momento, que había ganado en 1996 el Premio al Mejor Actor en el Festival de Teatro Joven de Huelva y del que el diario alemán Süddeutsche Zeitung había dicho que es “irreverente, maravillosamente absurdo y simplemente brillante”.

Desde su creación en 1997 PEZ EN RAYA ha creado ocho espectáculos con los que ha recorrido los escenarios de medio mundo. “Costó mucho levantar la compañía, porque al principio nadie daba un duro por nosotros” ha dicho Cristina Medina, pero una vez consolidada la compañía ha cosechado el cariño de los públicos que se ríen a carcajadas con sus espectáculos, el elogio de las críticas y algunos de los más prestigiosos premios nacionales e internacionales. Entre esos premios destaca el Premio del público al Mejor espectáculo en el IX Festival Internacional de Humor de Madrid por Tápate (2003), Premio al Mejor Espectáculo de la Temporada en Bath y Winchester (Inglaterra) por Pésame Mucho (2003), Premio al Mejor Espectáculo en la XXI Feria de Teatro de Tárrega por Sólala (2004) o el Premio al Mejor Espectáculo en el XI Festival Internacional de Humor de Madrid por Sólala (2005).

La puesta en escena en el Teatro Ideal Cinema de LLORAR POR LLORAR supone el cuarto encuentro de PEZ EN RAYA con el público ubetense. Ya estuvieron presentes el 23 de octubre de 2004 con Pésame mucho y el 22 de diciembre de 2006 con Hot Burrito. Pero, sin duda, fue el domingo 29 de enero de 2006 —un crudo día de invierno: había nevado el día anterior y el domingo había amanecido con las calles llenas de nieve congelada— y en el Teatro de la SA.FA. cuando el público ubetense se sumó a la legión de fieles de PEZ EN RAYA: ese día, Cristina Medina ofreció con Sólala una de las horas más hilarantes e inolvidables de la historia del teatro ubetense. Todos los ingredientes de la compañía están presentes en LLORAR POR LLORAR (un espectáculo de humor, dosmor, tresmorrrrrr), tal y como ha señalado unánimemente la crítica nacional. En WOMANWORD han definido el humor de esta obra como “básico y construido con gracia y picardía, cargado de chiste, broma y chascarrillo. Bien hilado, irónico y teatral. Afilado y hasta inocente”. Adolfo Simón ha escrito en la revista digital “Qué revienten los artistas” que LLORAR POR LLORAR “es un placer para los espectadores porque en él se ríen de todo nos liberan de esa pose de respeto frente a los grandes investigadores del crimen, el circo espectacular, los conciertos heaves e incluso la danza contemporánea y lo hacen dos intérpretes en estado de gracia y disparate”. Un espectáculo absurdo, que arranca la carcajada absurda: “La trama es inenarrable, ni siquiera para el más cronista más ducho en la ducha. Digamos que está en la línea de Sin noticias de Gurb o de El labertinto de las aceitunas, las dos de Eduardo Mendoza”, según el blog de crítica teatral LA CLÁ

La crítica más completa de este espectáculo que hará las delicias de los ubetenses es la realizada en la SUITE 101:

«Sin duda, un hallazgo. Un espectáculo de clown que sirve en bandeja el titular: “Llorar por llorar... de risa”. En una producción muy cuidada para montar un “desmontaje”, una locura divertida como sólo dos niños-grandes pueden lograr, los actores Cristina Medina y Joan Estrader, quienes se complementan en una hábil parodia de un policiaco “transmitido” por Radio Misterio. Joan es un divertido partenaire y Cristina la mujer orquesta que alterna con muchos personajes, todos muy divertidos.

Hay dos títeres muy bien elaborados por Martí Doy, una brillante dirección de David Sant a través de una puesta en escena aparentemente descuidada para dos que, al mejor estilo del Gordo y el Flaco lo rompen todo y de todo hacen cabriolas divertidísimas. Son gente de teatro con mucha experiencia y notable formación felizmente volcada en la busca y captura de un teatro que provoque carcajadas.

La galería de personajes es muy rica en Cristina Medina, tanto si hace de chica o de chico. Por ejemplo, la china del cabaret, entre magias y despiporre; la amante de la víctima, femme fatale como pocas, o un cantante de rock en una secuencia por demás ingeniosa, eso sí, “marcando paquete”.

La producción de LLORAR POR LLORAR es de Pez en Raya, Compañía “cataluza”, que tiene en su haber muchos premios a causa de considerar excepcionales las cómicas situaciones urdidas por sus hacedores. El director David Sant es un catalán afincado en Londres desde 1993, donde ha desarrollado estupenda carrera teatral. Entre todos y en perfecto castellano, más gestual que hablado, aunque con diálogos disparatados y deliciosamente payasescos, una función que enseguida se echa de menos, con una brevedad que invita a la nostalgia y al deseo de que vuelvan pronto con un show mucho más largo.»

EL INVIERNO BAJO LA MESA

Belén es una joven traductora que apenas llega con su trabajo para pagar el alquiler del apartamento en el que vive. Por ello se ve forzada a subalquilar un lugar desaprovechado e inservible de su casa: el espacio de debajo de su mesa. Se lo alquila a Dragomir, un inmigrante sin papeles procedente de la Europa del Este, zapatero, que instala su hogar y su pequeño taller debajo de la mesa de Belén.

Ambos conviven amablemente y crean un ambiente agradable, casi familiar, que se verá alterado por las visitas de Jimena del Pulgar, amiga de Belén que piensa que su amiga se ha vuelto loca; Gritzka, músico y primo de Dragomir y, al igual que éste, un “sin papeles” que ha venido al primer mundo a probar suerte; y Albert Milá, jefe de Belén que intenta seducirla.

Roland Topor (uno de los fundadores, junto con Jodorowsky y Fernando Arrabal, del Movimiento Pánico, que era una manera de expresión “presidida por la confusión, la memoria, la inteligencia, el humor y el terror”) dijo: “Si los inmigrantes son tratados como personas inferiores es normal que vivan bajo la mesa, estableciéndose así un puente entre lógica y absurdo, entre lo racional y lo irracional.” Este es el marco en el que transcurre EL INVIERNO BAJO LA MESA, una obra en la que se denuncia la injusticia con dulzura y delicadeza, donde se enfrentan el amor y la amistad de los protagonistas con la cobardía y el egoísmo de la sociedad reinante, una obra que permite el encuentro de personas solitarias y necesitadas de afecto en medio de un registro general cómico.

Crisis económica, inmigración, prejuicios, capitalismo, acoso laboral... todos estos son los temas que Topor y Teatro “El Mercado” utilizan en esta maravillosa y dura comedia que es, sobre todo, una imposible y cándida historia de amor. Obra imprescindible en el panorama teatral de Andalucía, dirigida por un veterano como Paco Piñero. El buen hacer de esta compañía cordobesa y su apuesta por un teatro de calidad han tenido eco en el público y en la crítica, que unánimemente ha alabado el trabajo realizado en EL INVIERNO BAJO LA MESA.

“La interpretación de actores y actrices, llena de matices, hace que salten a primer plano las situaciones de lirismo, de amor, de ternura, incluso de mala uva, que los personajes dejan traslucir a lo largo del espectáculo”, ha dicho Juan Antonio Díaz en el Diario Córdoba. Y por su parte, Félix R. Cardador escribe en El Día de Córdoba que “El Mercado, con unos recursos económicos limitados, logra sin embargo poner en pie una obra sólida y emocionante. (...) No es teatro efectista ni espectacular, tampoco es el teatro frívolo e insustancial que tanto abunda, sino que se trata de teatro de la palabra, del teatro de siempre. (...) Derrocha, en suma, humanidad.”

Ya en la crítica a nivel nacional, Miguel Ángel de Abajo ha dicho en ABC que “La obra es una preciosa fábula. (...) Las interpretaciones de los actores y actrices, que acertadamente ha dotado de ritmo el director, humanizan la función, ofreciendo momentos emocionantes en distintas escenas. Una emoción compartida por el humor que sazona e ilumina toda la puesta en escena.” Abundando más aún, señala el crítico que “La obra es una deliciosa y penetrante parábola sobre muchos temas de candente actualidad. (...) Los actores y actrices hacen un excelente trabajo en línea con la dirección, mostrando madurez y capacidad de recursos.”

Como podemos ver, se trata de una obra emocionante y emocionada, realizada magistralmente por un elenco de actores andaluces de primera talla. EL INVIERNO BAJO LA MESA es una obra imprescindible para los amantes del teatro de mensaje y contenido, el teatro de las emociones y los sentimientos. Imprescindible para los amantes del teatro de calidad.

(EL INVIERNO BAJO LA MESA, de Roland Topor, se representa el sábado 3 de noviembre a las 21:00 horas en el Teatro Ideal Cinema)

LLORAR POR LLORAR

LLORAR POR LLORAR no es una elegía del pesimismo que nos corroe, sino una ventana abierta a todo lo contrario, no es una oportunidad para regodearnos en las miserias de la crisis sino un brindis para pensar que vendrán tiempos mejores. Y todo gracias a “Radio Misterio”, la radio que te mete el misterio en las venas y transporta a tu mente a donde nunca habías estado.

El más enigmático de los programas de relatos cumple quince años y para celebrarlo presenta un programa especial con la colaboración de una invitada boooooooooomba. ¡La Señorita Flecha!, que nos presentará su relato “Soy yo nara”, un relato enigmático, a la par que prismático.

¿Lograrán los radioyentes resolver los tejemanejes más intrigantes y engañosos? O lo que es más improbable, ¿lograrán saber quien es la Señorita Flecha en realidad y si hay o no pastel a resolver?

Después de quince años juntos encima del escenario, Cristina Medina (popularísima por su participación en la serie La que se avecina) y Joan Estrader presentan un nuevo espectáculo de humor absurdo con su peculiar estilo, marca de la casa. En este su último montaje esta sólida pareja de actores (que acumulan multitud de premios nacionales e internacionales) demuestra que sabe trabajar como pocos el humor absurdo con absoluta finura, elegancia, provocando la risa del espectador durante toda la función. (De eso puede dar buena fe el puñado de fieles que PEZ EN RAYA tiene en Úbeda.) Nos encontramos, en definitiva, ante un show destinado a un amplio espectro de espectadores que buscan disfrutar de un humor sorprendente, muy asequible y de alta calidad. Todo ello viene avalado por los públicos, una vez más rendidos ante el humor de PEZ EN RAYA, y por los críticos, que han elogiado LLORAR POR LLORAR. Rosa Jiménez, de El Mundo, ha dicho que “La compañía ha sabido conjugar el misterio con el humor absurdo teniendo como resultado un buen producto”. El Diario de Mallorca, por su parte, señaló que “Llorar por llorar arranca las carcajadas del público, que es de lo que se trata” y en la Revista de Ocio y Cultura de Canarias lo han calificado como un “Un espectáculo dirigido 100% a toda esa gente que quiere pasar un buen rato y olvidarse de todo durante 70 minutos”.

(LLORAR POR LLORAR, de la Compañía Pez en Raya, se representará en el Teatro Ideal Cinema el próximo viernes 2 de noviembre, a las 21:00 horas)

100 m²

A Sara siempre le gustó este barrio. Se nota que es una zona “bien”. Y ella, para qué negarlo, es una chica “bien”. El piso que le ofrece el agente inmobiliario reúne todas las características que desea: bajo precio, amplitud, luz y unas hermosas vistas a la sierra. Tan solo presenta un pequeño “inconveniente”: la dueña del piso vivirá en él hasta el día de su (inminente) fallecimiento. Lola (de más de setenta años) ha sido operada del corazón en dos ocasiones y sin duda no aguantará mucho más. Sobre todo si sigue fumando una cajetilla diaria. Y bebiendo todo lo que se le pone por delante. Sí, Sara decide dar el paso, comprar el piso y... esperar.

Pero ya sabemos que los acontecimientos no se desarrollan siempre tal y como uno los había planeado. En primer lugar, Lola sigue gozando mes tras mes de una envidiable salud. Y segundo, y más grave, la propia vida de Sara es la que empieza a desmoronarse con nuevos y sorprendentes acontecimientos. Entre las dos mujeres, tan distintas y tan parecidas en su soledad, surgirá una amistad plagada de risas, ternura, emoción y complicidad.

Este es el resumen de una obra de teatro que Juan Carlos Rubio escribió inspirado por un anuncio real que leyó en el periódico: “Se vende piso con inquilino”. Tras visitar a la inquilina que hacía tan extraño anuncio, declara Rubio que en su mente “se instaló con fuerza el germen de una historia de amistades y soledades, de presentes y futuros que quizá no lleguen nunca. Una historia que ahora sube a los escenarios con el mejor reparto que nunca pude soñar: María Luisa Merlo, Miriam Díaz-Aroca y Miguel Vigil.”

Esta obra escrita y dirigida por Juan Carlos Rubio brinda al público ubetense la oportunidad de reencontrarse con una de las más grandes actrices españolas de todos los tiempos, María Luisa Merlo, que según todas las crónicas simplemente borda su papel en 100 m². Se trata, en definitiva, de una obra de esas que tanto gustan al público ubetense, una de esas obras del teatro de toda la vida que hicieron posible que cuajara en Úbeda la afición teatral. Se ofrece, de nuevo, una velada teatral inolvidable que viene avalada por los públicos de toda España y por la crítica.

En Miami Herald han dicho que “100 m² provoca risas y lágrimas, una comedia viva y conmovedora, con humor mordaz y diálogos brillantes”. Por su parte, en la web todosalteatro.com han dicho que en esta obra “cabe mucha soledad, mucha incomunicación y mucha amargura contenida. Pero también humor, amistad y ganas de escuchar y ayudar al que está enfrente. Muchos elementos en pocos y acertados actores, es casi una obra a dúo, en un texto inteligente, rápido y divertido.” Y la crítica Celia G. Naranjo ha escrito que “esta obra lo deja a uno con la sensación de haber saboreado un bombón de licor, donde el dulce se mezcla con el gusto amargo del alcohol sin solución de continuidad. (...) El espectador pasa de la carcajada a la lágrima en cuestión de segundos. Literalmente.” Argumentos suficientes para disfrutar de ella en el Teatro Ideal Cinema.

(100 m², de Juan Carlos Rubio, se representará en el Teatro Ideal Cinema el sábado 27 de octubre, a las 21:00 horas)

NADIE LO QUIERE CREER, DE EUSEBIO CALONGE

Eusebio Calonge es uno de los mitos vivos del teatro español. Nacido en Jerez de la Frontera en 1963, desde 1985 trabaja con la Compañía La Zaranda, a la que suministra sus textos y junto a los cuales ha perfilado el estilo teatral más personal y definido del teatro español de las últimas décadas. Sus obras han sido representadas en treinta países de tres continentes (todas sus obras han sido traducidas al inglés y al francés) y Calonge ha recibido premios de la crítica y del público en Buenos Aires, Madrid, Montevideo o Nueva York, además recibir premios a su trayectoria artística como el García Lorca, el Ollantai o el del Festival de Teatro Iberoamericano de Cádiz, todos ellos culminados con el Premio Nacional de Teatro que La Zaranda recibió en 2010.

NADIE LO QUIERE CREER (La patria de los espectros) es una de sus obras más conseguidas y aplaudidas. En ella, la personalísima lírica creada juntamente por Calonge y los actores capitaneados por Paco de La Zaranda, destila la tristeza característica de la compañía, que no es sino una constatación de la permanente derrota que es la existencia.

NADIE LO QUIERE CREER sólo puede definirse desde la poética artística que articula toda la creación teatral de La Zaranda:

“Los fantasmas brotan al amparo de las ruinas y los espejos, en la oscuridad de las vidas sin designios, en ese nosotros sin destino. Asoman en el sentimiento de lo perdido, en el anhelo de lo que nunca llegamos a tener y en la resignación de no haberlo alcanzado nunca.

Esta que fue casa de blasón, es el lugar de sus apariciones, el trozo de calendario al que se aferran, donde disecan las pretéritas glorias y cicatrizan las partes amputadas de su historia.

Quebrada la fe solo les queda el afán de sobrevivir. Desmembrados y consumidos por la enfermedad, enfrentados siempre por el pasado, apenas unas sombras, figurantes en un sainete espectral de consabido argumento: la impotencia conspirando contra la esperanza siempre.”

Estrenada en el Teatro Municipal de Salt (Gerona) el 16 de octubre de 2010, este espectáculo es una coproducción del Teatro La Zaranda y el Festival Temporada Alta, Festival de Tardor de Catalunya, Girona-Salt. Y, como ocurre con todas las obras de La Zaranda, NADIE LO QUIERE CREER ha cosechado los elogios unánimes de la crítica.

El acreditadísimo crítico Marcos Ordóñez ha dicho en El País que NADIE LO QUIERE CREER es posiblemente el “espectáculo más clásico de La Zaranda y por clásico entiendo el más narrativo, con una trama que enlaza los ritmos concéntricos y las ceremonias secretas”, concluyendo que se trata de “un soberbio sainete espectral. Tan bueno como siempre. Una admiración enorme, la de siempre también, maestros, y un respeto imponente.”

Por su parte, Joan-Anton Benach ha dicho en La Vanguardia que “con la palabra que Calonge pone en boca de Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez y Enrique Bustos –tres formidables actores– la poética liquida la estética, funcionando con golpes certeros, contundentes, que a menudo suscitan incontenibles carcajadas.” Por su parte, Joaquim Armengol señala en Avui –el prestigio de La Zaranda en Cataluña es inmenso– que “La Zaranda son muy buenos y se la juegan de verdad.”

Y Antonio Arco ha escrito para el periódico La Verdad, de Murcia, que “esto sí que es un lujo: La Zaranda trae a Murcia su último espectáculo recién salido del cielo. Un nuevo regalo de carne y alma hecho al público.”

Todo, pues, en NADIE LO QUIERE CREER (La patria de los espectros), la obra de Eusebio Calonge que esta noche representará en el Teatro Ideal Cinema compañía La Zaranda, todo, aventura un momento sublime del teatro, una exaltación de los sentidos y de los sentimientos. A buen seguro que cuando acabe la obra y se rompan los aplausos todos los espectadores sentiremos la mordida de una tenaza en los entresijos del corazón.