CON VOZ POTENTE DE MUJER

La XXI Edición de la Muestra de Teatro de Otoño continúa, imparable, su andadura en este año 2015. Después de los éxitos cosechados por obras como La Discreta Enamorada (magistralmente dirigida por nuestro paisano Pedro Miguel Martínez), Arizona (que atornilló a los espectadores a los asientos), Milagro en casa de los López o el multitudinario estreno oficial de la última obra de Yllana (Chefss), la Muestra encara el próximo fin de semana con una perspectiva esencialmente femenina. La vida y la obra de dos mujeres excepcionales, separadas por tres siglos pero unidas en una voz poética esencialmente femenina, tomará las tablas del Ideal Cinema los próximos viernes y sábado.

Así, el viernes 23 de octubre se representará en el Teatro la primera de las tres obras dedicadas por la XXI Muestra de Teatro a conmemorar el V Centenario del Nacimiento de Santa Teresa de Jesús. Se trata de la obra El cielo que me tienes prometido, escrita y dirigida por Ana Diosdado. Se da la particularidad que es la primera vez que esta obra se va a representar tras la muerte de Diosdado, una de las grandes del teatro español de todos los tiempos, por lo que la función es, en realidad, un homenaje a esta mujer sin la que se puede entender la escena de nuestro país.

En esta obra de Ana Diosdado se nos muestra la Teresa más humana, esa mujer de raza y corazón que choca con la Princesa de Éboli para no renunciar a su sueño de liberación de la mujer a través del Carmelo Reformado.

Al día siguiente, el sábado 24, las tablas del Ideal volverán a temblar con una emoción netamente femenina. En esta ocasión, con la que provocan la poesía, la vida y la tragedia de Delmira Augustini, de la que Rubén Darío dijo que tenía la misma talla poética que Santa Teresa de Jesús y que era la única que, tras la muerte de la mística abulense, había hablado con un lenguaje poético específicamente femenino. De este modo, esta obra llegada a Úbeda directamente del prestigiosísimo Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz antes de partir al Teatro Español de Madrid, se liga con la del día anterior y ambas conforman un mensaje potente y necesario: el de la necesidad de allegar argumentos que se opongan a las (sin)razones de un mundo hecho por los hombres para aplastar a las mujeres.

El mensaje, la calidad extraordinaria de los textos y la brillantez del cuerpo actoral (en el que destacan nombres tan conocidos como el de María José Goyanes) convierten este fin de semana en uno de los más intensos de la Muestra de Teatro de 2015, un fin de semana que resonará con la voz potente de las mujeres libres.

(Las entradas para ambas funciones pueden adquirirse, en venta anticipada, en horario de oficina en el Área de Cultura del Ayuntamiento de Úbeda. )

"EL TESTIGO", DE QUIÑONES. CON "EL BRUJO"

SOBRE LA OBRA: HABLA «EL BRUJO».

Conocí a Fernando Quiñones en los años setenta. Daba unos recitales de cante y poesía acompañado a la guitarra por otro gran poeta de su generación: Félix Grande. Me invitaron a recitar con ellos unos poemas (Eran poetas andaluces contemporáneos suyos, entre los que recuerdo especialmente a Pedro García Baena). El acto fue en el colegio mayor de San Juan Evangelista de Madrid. Quiñones me bautizó después y me presentó al público diciendo: es una rapsoda. Los cantaores flamencos son rapsodas y Fernando Quiñones era poeta y rapsoda.

Era un hombre especial. Su físico era chocante: Ni guapo ni feo. Raro. Su voz todavía la recuerdo. Cierro los ojos leyendo el texto de "El testigo" y puedo oírla. Cuando leí por primera vez El testigo oí LA VOZ. Me ocurrió hace años cuando hice La taberna fantástica. Y nunca más. Ese es el motivo real por el cual yo estoy involucrado en este trabajo. Además, es una deuda antigua. El flamenco fue para mí un ritual de iniciación al arte y fue un método secreto para ganar seguridad cuando comencé a trabajar en el teatro. A los tonos y a los gritos del cante yo les debo mucho como actor. Mi voz se permeó de todo ello, como de todo lo que oí en mi infancia en Andalucía.

Todavía suena todo eso en mi memoria como las campanas de la iglesia de mi pueblo. Al misterio que encierra el canta jondo le debo más, pero eso no puedo explicarlo aquí. Tengo que hacerlo en el escenario, con el texto de Fernando Quiñones. A lo largo de dos meses de ensayo he ido descubriendo cada vez más matices y sabiduría poética, y sentido del ritmo, y de la medida, y delicadeza, en este aparente costumbrismo que encubre en el texto de Quiñones, algo más que está debajo de la fachada: el conocimiento profundo y el estilo de un grandísimo escritor. No me extraña en absoluto que Borges le apreciara sobremanera.

Espero estar a la altura de las circunstancias y vengo aquí con el respeto y la reverencia que me inspiran tanto el cante como la mestróa literaria de un hombre que supo transmutar su devoción por el cante en filosofía, poesía y gracia. Cuando Francisco Ortuño (Al que agradezco que pusiera en mis manos esta joya), me dijo que este texto era la elevación del flamenco a la categoría de pensamiento yo no sabia lo que estaba diciendo. Aunque la frase me gustó. Por quedar bien le dije: Por supuesto. Y me quedé pensando... pero de verdad que no lo sabía. Hoy, después de haber estudiado El testigo, yo puedo asegurar que el cante ya es en si mismo pensamiento.

El cante está elevado cuando se hace presente a través de alguien como Miguel Pantalón; «El cante es el diamante de la India», como ha dicho Fernando Quiñones.

Ya ha habido algunos cantaores que han ido desde Andalucía hasta la India buscándolo. Pero ¿Qué es ese diamante? ¿Que secretos encierra? Y un Miguel Pantalón ¿Dónde calza hoy día, un Miguel Pantalón? Espero que después pueda usted mismo responder estas preguntas. Yo ya me tengo que ir yendo porque empieza la función. Con su permiso antes voy a tomarme una copita. El golpe de viento es malo para la voz. Pero... ya está.... ¡Voy! Empieza la función.

SOBRE “EL BRUJO”: HABLA LA CRÍTICA.

María José S. Mayo (El Confidencial): «El actor despliega su dominio del gesto, tanto, que es capaz de hacer un juego de intensidades con él, combinándolo con una voz de cazallero cuyo volumen sabe subir o dejar en el susurro en el momento exacto. Además, como en otros espectáculos, demuestra que sabe meterse al público en el bolsillo con detalles como mirar la hora y decir que ya "no hay más que contar", porque "sería repetirse". Y sin embargo sigue. Y funciona.»

Javier Vallejo (El País): «En El testigo, El Brujo tiene sandunga. No canta, pero clava el texto como Enrique El Mellizo la malagueña, lo llena de intenciones, apura su humor lacerante y el público de a diario se lo aplaude largo.»

Javier Redondo Jordán (avuelapluma.com): «Y es que ver a El Brujo es mirar a los ojos a la Historia del teatro de nuestro país. Su forma de hacer las cosas ―herencia del Nobel Darío Fo― es un subgénero en sí mismo en las tablas españolas. Muchos le deben gran parte de su educación sentimental escénica.»

Javier Miranda (El Diario de Cádiz): «Álvarez ofrece su inimitable ritmo, su cadencia, sus cambios de tono, dando a pesar de las risas toda la tristeza del anónimo testigo y de lo que narra. Como los flamencos, dio un fin de fiesta. Improvisado o preparado, una vez más no importa. Fue un momento irrepetible, mágico, que rindió a un público que desafiando una noche de perros llenó el Falla.»

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22 DE NOVIEMBRE DE 2013 – TEATRO IDEAL CINEMA – 21:30 HORAS

COMPAÑÍA DE RAFAEL ÁLVAREZ «EL BRUJO»

REPARTO Y DIRECCIÓN: Rafael Álvarez «El Brujo».

Entradas: 18 euros (Zona A), 16 euros (Zona B, con descuentos de 3 euros según folleto informativo) y 13 euros (Zona C).

JULIO CÉSAR: LO QUE DICE LA CRÍTICA

Marcos Ordóñez (El País): «Está muy bien conseguida la atmósfera turbia de la conjura, esa larga noche de tormenta atravesada por negros presagios, y el despacho en el que vela Bruto, atormentado e insomne, bajo una luz que parece evocar un gabinete franquista en vísperas del alzamiento.»

Begoña Barrena (El País): «Mario Gas es un actor de grandeza shakesperiana. Su presencia en escena, su voz y cómo modula, su energía, la fuerza de sus palabras y su composición de este semidiós romano lo impregna todo pese a sus pocas apariciones.»

Antonio Arco (La Verdad): «Mario Gas está tan inmenso como Julio César, pero todavía tiene más mérito el trabajo de Sergio Peris-Mencheta dando vida a Marco Antonio, que es un personaje que nos clavó para siempre en la memoria Marlon Brandon y que tiene mil dificultades; Peris-Mencheta las vence todas y está espléndido: malvado, astuto, peligroso, demoledor. Su discurso al pueblo, en los funerales de César, es memorable. (...) Paco Azorín, el director, logra imágenes visuales muy potentes y la plasticidad de sus propuestas te atrapa y te mantiene felizmente despierto.»

Julia Alvadalejo (La Opinión): «El Julio César de Paco Azorín es pura energía. Pura testosterona, fuerza y violencia —a veces física y casi siempre verbal— sobre un escenario vestido impecablemente con la sobriedad del Azorín escenógrafo y con la maravillosa luz de Pedro Yagüe. Los ocho actores del reparto son ocho “bestias” vestidas con uniforme y toga, que salen airosos del reto que supone interpretar a Shakespeare.»

JULIO CÉSAR, de SHAKESPEARE

Shakespeare es, posiblemente, el mejor escritor de todos los tiempos y, ya sin duda, es el gran dramaturgo de la modernidad, el gran hacedor de personajes en los que cabe toda la humanidad. Por eso, contar con una obra de Shakespeare en una programación teatral es ya garantía de apuesta por la calidad teatral y por el teatro de altura. Y cuando esa obra es nada más y nada menos que Julio César (un drama político ineludible por su intensidad y belleza) los aficionados al teatro, los aficionados de verdad, sienten la necesidad de estar presentes, como en un acto litúrgico, en esa representación.

En la Muestra de Teatro de Otoño, este fin de semana de noviembre la cosa va de romanos: hoy es Calígula de Camus y mañana Julio César de Shakespeare. En los dos casos se trata de obras aclamadas por la crítica y con una apuesta por la calidad fuera de toda duda. Por lo que respecta a la representación de la obra de Shakespeare, una de la que más acercamientos e interpretaciones ha tenido a lo largo de la historia de la literatura, cabe señalar que el este montaje de Paco Azorín sobre Julio César respeta la esencia y profundidad del texto shakesperiano. No en vano es un montaje estrenado en el último Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida (que coproduce la obra: es un lujo para el Ideal Cinema contar con una coproducción de uno de los festivales de teatro clásico más prestigiosos del mundo) y supone la culminación de un gran proceso artístico y reflexivo en torno a una de las cumbres literarias de todos los tiempos.

La emoción está garantiza en esta obra. La emoción que aporta la garantía de la marca Shakespeare. La emoción que aporta la seriedad de la dirección de Paco Azorín. Y la emoción que aporta un elenco en el que figuran algunos de los mejores actores españoles del momento: Mario Gas, Sergio Peris-Mencheta, Tristán Ulloa, Agus Ruiz, Pau Cólera, Carlos Martos, el ubetense Juan Ceacero y Pedro Chamizo.

¿Aman el teatro? No se pierdan esta obra, no se la pierdan.

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TEATRO IDEAL CINEMA

SÁBADO 9 DE NOVIEMBRE, 21:30 horas

JULIO CÉSAR, de William Shakespeare, dirigida por Paco Azorín

Cosmoarte y Festival de Teatro Clásico de Mérida

ENTRADAS: 20 euros (Zona A), 17 euros (Zona B, con descuentos de 3 euros para mayores de 65 años, jóvenes, desempleados y familia numerosa) y 14 euros (Zona C).

7 DE NOVIEMBRE: CIEN AÑOS DE CAMUS

Se cumplen hoy cien años del nacimiento en Argel del escritor Albert Camus, considerado como un clásico y como uno de los escritores que mejor ha sabido captar la angustia y el absurdo trágico y sangriento del siglo XX y que más se ha comprometido con la indefensión de la persona y con la defensa de los derechos humanos. En Albert Camus se concitan la búsqueda de la belleza literaria como un fin superior y la vocación de servicio para redimir el sufrimiento de los semejantes: pocos autores resultan tan intensamente humanos, tan profundamente humanos, como Albert Camus y en muy pocos libros se muestra ese temblor ante el sufrimiento, el desgarro y el exilio de los semejantes. Nadie, como Camus, conjuga en su obra la belleza del arte y el compromiso de la filosofía.

Independientemente de lo temprano e inesperado de su muerte, Albert Camus no fue un autor especialmente prolijo. Dejando a un lado sus artículos periodísticos, Camus escribió menos de veinticinco obras entre novelas, ensayos y obras de teatro. Y sin embargo, pese a lo relativamente exiguo de su producción, en 1957 se le concedió el Premio Nobel —es uno de los escritores que lo ha recibido más joven— como reconocimiento al extraordinario valor artístico y moral de su obra. Esa excelencia artística y filosófica es algo que impregna también su producción teatral, de tal modo que con tan sólo cinco obras Albert Camus puede ser considerado como uno de los dramaturgos más grandes de todos los tiempos.

Albert Camus mantuvo a lo largo de su trayectoria como escritor una constante de pensamiento y reflexión artística sobre que volvía una y otra vez: oponerse a toda ideología que prive al ser humano de su genuina humanidad, entendida como una amalgama de libertad y dignidad. Esta preocupación está presente en sus obras teatrales —Camus estrenó Calígula y El malentendido en 1944, Estado de sitio en 1948, Los justos en 1950 y Los posesos en 1959; en 1946 escribió una obra menor titulada Improvisación de los filósofos— que andando el tiempo se han convertido en auténticos clásicos venerados por los aficionados al teatro y por los amantes de la literatura. Pero la relación de Albert Camus con el teatro no se circunscribió a la labor de dramaturgo. Desde su juventud en Argel, el enfermizo Camus había sido un apasionado del teatro, participando activamente en la fundación de grupos de renovación teatral, figurando como actor en las obras de estos grupos y ejerciendo en muchas ocasiones las funciones de director de acreditada solvencia.

Por eso, en una cita cultural de la dimensión de la XIX Muestra de Teatro de Otoño de Úbeda era imprescindible rendirle homenaje a un escritor como Camus. Y se hará mañana representando su obra teatral cumbre, Calígula, y el próximo jueves con una conferencia del escritor Ricardo Menéndez Salmón titulada Belleza y rebelión: Camus como educador. Igualmente, en el número 1 de la revista TEATRO IDEAL (que se puede adquirir en el Área de Cultura del Ayuntamiento y en la taquilla del Teatro Ideal) se puede encontrar un amplio e interesante reportaje sobre la relación de Camus con el teatro y sobre su obra Calígula.

CALÍGULA: LO QUE DICE LA CRÍTICA

Antonio Illán (ABC): «Excelente elenco de actores. (...) Teatro para reflexionar, para provocar y para enseñar deleitando este excelente Calígula de Joaquín Vida y Cosmoarte.»

Cynthia Patricio (C’Mon Murcia): «Recomiendo que veáis esta obra de teatro; si tenéis la suerte de ver la versión de Joaquín Vida con la compañía Cosmoarte sería estupendo.»

G. Suevos (Ideal): «El granadino Joaquín Vida dirige una obra de gran actualidad en la sociedad actual, con un reparto de lujo.»

El Heraldo de Aragón: «Una versión íntegra y basada en el texto original de Albert Camus que lleva a las tablas del escenario a un Calígula "tierno" y "genocida", que los espectadores llegarán a querer y odiar al mismo tiempo.»

Rafael Cobo (Diario de Córdoba): «Pero sin lugar a dudas, si en la interpretación hubo que destacar a un actor, ese fue sin lugar a dudas el televisivo Javier Collado Goyanes.»

A.D.M. (La Tribuna de Toledo): «Una obra que desafía todos los tópicos y que ha representado para el siglo XX uno de los gritos más desgarradoramente serenos y claros de la historia. (...) Joaquín Vida puede sentirse orgulloso del espectáculo. (...) Impresionante enfoque, excelente reparto —enorme, José Hervás— y cantera segura para los alarmistas. Con intérpretes como Collado Goyanes y Torray, al menos una generación de actores españoles está asegurada. Sinceramente, habría que ser un lunático, esta vez sí, para perdérsela.»

Laculturería: «Joaquín Vida ofrece su propia visión del gran general de la Roma Imperial con un ambicioso montaje que cuenta en el reparto con los nombres de Javier Collado Goyanes, Alejandra Torray, Fernando Conde, José Hervás y Juan Antonio Molina, entre otros.»

E.N.C.L.M. (Diario de Castilla La Mancha): «En Cosmoarte se han decidido por el Coliseo toledano para poner en marcha su nuevo espectáculo con una de las grandes obras del siglo XX, contando con un extenso y reconocido reparto y todo dirigido por uno de los mejores directores de escena del panorama teatral nacional.»

E. Santorromán (El Periódico de Aragón): «Un Calígula que busca la verdad.»

CALÍGULA, de ALBERT CAMUS

Calígula de Albert Camus es una de las grandes creaciones de la historia de la humanidad y una obra fundamental en la historia del teatro universal. Muy pocas obras conjugan de manera tan perfecta la lección filosófica y ética y la altura artística casi inalcanzable que se da en esta obra cumbre del teatro de Camus. Por eso, contar con Calígula en cualquier programación cultural es todo un lujo y una cita ineludible. Mucho más cuando la obra se representa de manera íntegra (es la primera vez que esto sucede en España), cuando el director es alguien tan reputado como José Vida y cuando el elenco es de tal calidad que difícilmente puede imaginarse uno mejor para una obra como ésta: Javier Collado Goyanes, Alejandra Torray, Fernando Conde, José Hervás, Antonio Gálvez, César Sánchez, Héctor Melgares, Ángel García Suárez y Xabier Olza conforman esta obra de arte que pasará a la historia como la mejor representación que hasta ahora se ha hecho de esta obra de Camus en nuestro país.

De esto es de lo que podrán disfrutar los aficionados al teatro el próximo viernes, con la representación de Calígula, producida por esa cooperativa de actores que es Cosmoarte y programada por la XIX Muestra de Teatro de Otoño para conmemorar el Centenario del Nacimiento de Albert Camus.

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TEATRO IDEAL CINEMA

VIERNES 8 DE NOVIEMBRE, 21:30 horas

CALÍGULA, de Albert Camus, dirigida por José Vida

COSMOARTE

Entradas: 20 euros (Zona A), 17 euros (Zona B, con descuentos de 3 euros para mayores de 65 años, jóvenes, desempleados y familias numerosas) y 14 euros (Zona C)

DESCLASIFICADOS: DIRECTAMENTE DESDE MADRID

SINOPSIS.

La periodista más prestigiosa del país se enfrenta a la entrevista más difícil de su carrera: un cara a cara con el Presidente del Gobierno, presuntamente implicado en un delito aberrante. El astuto Secretario de Prensa del Presidente hará todo lo posible para que la entrevistadora dude incluso de sí misma. ¿Conoceremos finalmente la verdad?

COMENTARIO DE PERE RIERA SOBRE SU OBRA.

Esta no es una obra sobre política. Tampoco es una obra sobre periodistas. No es una reflexión sobre las siempre convulsas relaciones entre el poder mediático y la Administración. Esta obra nos muestra el encuentro de tres personajes con puntos de vista muy opuestos sobre la ética, la integridad profesional y la dignidad del individuo.

Todos presumimos de disponer de una escala de valores, de unos principios rectores que nos hacen ser de un modo u otro, que nos hacen juzgar las actitudes y las conductas de los demás desde un determinado punto de vista. Pero, ¿qué pasa cuando estos valores, los principios más sólidos que nos rigen, se ven sacudidos y cuestionados, incluso contra nosotros mismos? ¿Qué sucede cuando tomamos conciencia de que no somos tan íntegros, tan dignos ni tan coherentes? ¿Cómo asumimos la ruptura entre nuestras convicciones y nuestra voluntad más íntima?

Las personas somos frágiles. Por fuera y por dentro. Sólo cuando se trata de juzgar al otro nos sentimos valientes y capaces de opinar, de criticar, de demonizar a aquel que hace justamente lo que nosotros no haríamos jamás. ¿Jamás? Nuestros abuelos decían: «Nunca digas de esta agua no beberé». Porque puede ser que un buen día bebas y te atragantes. O te envenenes.

LOS ACTORES Y LOS AUTORES.

Jordi Rebellón, Alicia Borrachero y Joaquín Climent son tres de los actores más conocidos por el gran público español y de los más premiados por su incontestable trayectoria artística. Su presencia en algunas de las series televisivas más populares de los últimos tiempos («Hospital Central» o «Amar en tiempos revueltos» los ha catapultado a una fama que se corresponde con una sólida carrera artísitca consolidada en multitud de obras de teatro y de películas. Con esta obra de Pere Riera, uno de los autores más reconocidos en Cataluña, los tres actores debutan en el Teatro Ideal Cinema directamente llegados de hacer temporada en el Teatro de Bellas Artes de Madrid.

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1 DE NOVIEMBRE DE 2013 – TEATRO IDEAL CINEMA – 21:30 HORAS

PENTACIÓN ESPECTÁCULOS Y LA VILLAROEL

REPARTO: Jordi Rebellón, Alicia Borrachero, Joaquín Climent.

DIRECCIÓN: Pere Riera.

Entradas: 20 euros (Zona A), 17 euros (Zona B) y 14 euros (Zona C). Descuentos de 3 euros para la Zona B según programa.

LA XIX EDICIÓN YA ESTÁ AQUÍ

Una Muestra de Teatro de Otoño sencillamente espectacular. Eso es lo que se ha presentado hoy y lo que se celebrará en Úbeda entre el 21 de septiembre y 14 de octubre. Ya iremos desgranando toda la información en los próximos días, pero os dejamos ahora el batiburrillo de nombres que conforman los autores, actores, obras y compañías que van a darle vida a esta cita cultural impresionante. Ahí van.

La feria de Cuernicabra, Alfredo Mañas, Maranatha, Cuadros de humor y amor al fresco, José Luis Alonso de Santos, Tirsos y Caretas, Con las botas puestas, Juan Martínez Millán, Por esos Cerros de Úbeda, El Principito, Antoine de Saint-Exupéry, Escuela Municipal de Teatro, De amor... y lujuria, Siglo de Oro, María José Goyanes, Emilio Gutiérrez Caba, Ramón Langa, Cristina Goyanes, El Niño Judío, Paso y García Álvarez, Pablo Luna, Compañía Lírica Andaluza, Juancállate, Cristina Medina, Joan Estrader, Pez en Raya, Con “H” de Humor, Porfinteatro, Vicente Ruiz Raigal, Tomar partido, Ronald Harwood, Compañía La Fundición, Antonio Dechent, Roberto Quintana, Emilio Alonso, José Manuel Ponga, Rocío Borralbo, José David Gil, Pedro Álvarez-Ossorio, La diva al dente, Antonio Onetti, Producciones Candilejas, En mi casa mando yo, Ernest Castillo, Madre Coraje, Bertolt Brecht, Compañía Atalaya, Ricardo Iniesta, Carmen Gallardo, Mitad y mitad, Paco Tous, Pepón Nieto, El truco de Olej, Pampinak Teatro, Calígula, Albert Camus, Cosmoarte, Javier Collado Goyanes, Alejandra Torray, Fernando Conde, José Hervás, Antonio Gálvez, César Sánchez, Héctor Melgares, Ángel García Suárez, Xavier Olza, Joaquín Vida, El Malentendido, Centro Dramático Nacional, Cayetana Guillén Cuervo, Julieta Serrano, Ernesto Arias, Lara Grube, Juan Reguilón, Eduardo Vasco, El régimen del pienso, Eusebio Calonge, La Zaranda, Paco de La Zaranda, Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez, Luis Enrique Bustos, Javier Semprún, El Testigo, Rafael Álvarez “El Brujo”, Reinventando el Ñaque, Bétula Teatro, Hamelín, Juan Mayorga, Hermanas, Carol López, Amparo Larrañaga, María Pujalte, Marina San José, Amparo Fernández, Chisco Amado, Adrián Lamana, San Juan de la Cruz, Benjamín Prado...

Y todo esto completado con la I Feria del Libro Antiguo y de Ocasión “Ciudad de Úbeda”, un Curso de Clown a cargo de Paco Pacolmo, el Festival de Cómic Europeo de Úbeda y Baeza, el Certamen Internacional de Novela Histórica, la Iª Semana de la Poesía “San Juan de la Cruz y el Ciclo “Encuentros con el Teatro y la Literatura”, que contará con la presencia de escritos y autores de primer nivel.

Como veis, algo realmente monumental que os invita a participar y a aprovechar esta oportunidad realmente excepcional, que hará que durante este otoño de 2013 Úbeda sea la capital cultural de Andalucía.



CANCIÓN DE NAVIDAD

El próximo domingo, hay una cita extraordinaria en el Teatro Ideal Cinema. ¿Podía pasarse por alto el II Centenario del Nacimiento de Charles Dickens? Vaya la versión teatralizada de su inmortal CANCIÓN DE NAVIDAD como pequeño homenaje del mundo teatral ubetense a uno de los más grandes escritores de todos los tiempos.

Porque se trata de eso. Se trata de que el domingo 23 de diciembre, justo a punto de abrirse las puertas de la Navidad y cuando ojalá que la suerte que tanto necesitamos nos haya guiñado su ojo picarón a todos, el domingo, decimos, a las 8:30 de la tarde, se representará la obra CANCION DE NAVIDAD de Charles Dickens en el Teatro Ideal Cinema. Una obra puesta con una cuidadísima puesta en escena, montada por Baraka Projet, Ironía Teatro y el Laboratorio de Teatro de la Universidad Popular de Jaén y dirigida por Miguel Ángel Karames que se ha representado con gran éxito en Jaén y que seguro que le ofrecerá al público ubetense la oportunidad de disfrutar de uno de los cuentos más bellos que jamás se hayan escrito.

El precio, además, no es ninguna excusa para no asistir: 2,50 euros los mayores de 18 años; 1 euro los menores.

Aprovechamos esta representación tan cargada de significado y tan llena de belleza literaria, dramática y humana para desearle a todos nuestros seguidores FELIZ NAVIDAD. Aprovechen estos días para poder disfrutar de su papel protagonista en el teatro de la vida sin que nada los distraiga de la simple tarea de ser felices.

EL INVIERNO BAJO LA MESA

Belén es una joven traductora que apenas llega con su trabajo para pagar el alquiler del apartamento en el que vive. Por ello se ve forzada a subalquilar un lugar desaprovechado e inservible de su casa: el espacio de debajo de su mesa. Se lo alquila a Dragomir, un inmigrante sin papeles procedente de la Europa del Este, zapatero, que instala su hogar y su pequeño taller debajo de la mesa de Belén.

Ambos conviven amablemente y crean un ambiente agradable, casi familiar, que se verá alterado por las visitas de Jimena del Pulgar, amiga de Belén que piensa que su amiga se ha vuelto loca; Gritzka, músico y primo de Dragomir y, al igual que éste, un “sin papeles” que ha venido al primer mundo a probar suerte; y Albert Milá, jefe de Belén que intenta seducirla.

Roland Topor (uno de los fundadores, junto con Jodorowsky y Fernando Arrabal, del Movimiento Pánico, que era una manera de expresión “presidida por la confusión, la memoria, la inteligencia, el humor y el terror”) dijo: “Si los inmigrantes son tratados como personas inferiores es normal que vivan bajo la mesa, estableciéndose así un puente entre lógica y absurdo, entre lo racional y lo irracional.” Este es el marco en el que transcurre EL INVIERNO BAJO LA MESA, una obra en la que se denuncia la injusticia con dulzura y delicadeza, donde se enfrentan el amor y la amistad de los protagonistas con la cobardía y el egoísmo de la sociedad reinante, una obra que permite el encuentro de personas solitarias y necesitadas de afecto en medio de un registro general cómico.

Crisis económica, inmigración, prejuicios, capitalismo, acoso laboral... todos estos son los temas que Topor y Teatro “El Mercado” utilizan en esta maravillosa y dura comedia que es, sobre todo, una imposible y cándida historia de amor. Obra imprescindible en el panorama teatral de Andalucía, dirigida por un veterano como Paco Piñero. El buen hacer de esta compañía cordobesa y su apuesta por un teatro de calidad han tenido eco en el público y en la crítica, que unánimemente ha alabado el trabajo realizado en EL INVIERNO BAJO LA MESA.

“La interpretación de actores y actrices, llena de matices, hace que salten a primer plano las situaciones de lirismo, de amor, de ternura, incluso de mala uva, que los personajes dejan traslucir a lo largo del espectáculo”, ha dicho Juan Antonio Díaz en el Diario Córdoba. Y por su parte, Félix R. Cardador escribe en El Día de Córdoba que “El Mercado, con unos recursos económicos limitados, logra sin embargo poner en pie una obra sólida y emocionante. (...) No es teatro efectista ni espectacular, tampoco es el teatro frívolo e insustancial que tanto abunda, sino que se trata de teatro de la palabra, del teatro de siempre. (...) Derrocha, en suma, humanidad.”

Ya en la crítica a nivel nacional, Miguel Ángel de Abajo ha dicho en ABC que “La obra es una preciosa fábula. (...) Las interpretaciones de los actores y actrices, que acertadamente ha dotado de ritmo el director, humanizan la función, ofreciendo momentos emocionantes en distintas escenas. Una emoción compartida por el humor que sazona e ilumina toda la puesta en escena.” Abundando más aún, señala el crítico que “La obra es una deliciosa y penetrante parábola sobre muchos temas de candente actualidad. (...) Los actores y actrices hacen un excelente trabajo en línea con la dirección, mostrando madurez y capacidad de recursos.”

Como podemos ver, se trata de una obra emocionante y emocionada, realizada magistralmente por un elenco de actores andaluces de primera talla. EL INVIERNO BAJO LA MESA es una obra imprescindible para los amantes del teatro de mensaje y contenido, el teatro de las emociones y los sentimientos. Imprescindible para los amantes del teatro de calidad.

(EL INVIERNO BAJO LA MESA, de Roland Topor, se representa el sábado 3 de noviembre a las 21:00 horas en el Teatro Ideal Cinema)

100 m²

A Sara siempre le gustó este barrio. Se nota que es una zona “bien”. Y ella, para qué negarlo, es una chica “bien”. El piso que le ofrece el agente inmobiliario reúne todas las características que desea: bajo precio, amplitud, luz y unas hermosas vistas a la sierra. Tan solo presenta un pequeño “inconveniente”: la dueña del piso vivirá en él hasta el día de su (inminente) fallecimiento. Lola (de más de setenta años) ha sido operada del corazón en dos ocasiones y sin duda no aguantará mucho más. Sobre todo si sigue fumando una cajetilla diaria. Y bebiendo todo lo que se le pone por delante. Sí, Sara decide dar el paso, comprar el piso y... esperar.

Pero ya sabemos que los acontecimientos no se desarrollan siempre tal y como uno los había planeado. En primer lugar, Lola sigue gozando mes tras mes de una envidiable salud. Y segundo, y más grave, la propia vida de Sara es la que empieza a desmoronarse con nuevos y sorprendentes acontecimientos. Entre las dos mujeres, tan distintas y tan parecidas en su soledad, surgirá una amistad plagada de risas, ternura, emoción y complicidad.

Este es el resumen de una obra de teatro que Juan Carlos Rubio escribió inspirado por un anuncio real que leyó en el periódico: “Se vende piso con inquilino”. Tras visitar a la inquilina que hacía tan extraño anuncio, declara Rubio que en su mente “se instaló con fuerza el germen de una historia de amistades y soledades, de presentes y futuros que quizá no lleguen nunca. Una historia que ahora sube a los escenarios con el mejor reparto que nunca pude soñar: María Luisa Merlo, Miriam Díaz-Aroca y Miguel Vigil.”

Esta obra escrita y dirigida por Juan Carlos Rubio brinda al público ubetense la oportunidad de reencontrarse con una de las más grandes actrices españolas de todos los tiempos, María Luisa Merlo, que según todas las crónicas simplemente borda su papel en 100 m². Se trata, en definitiva, de una obra de esas que tanto gustan al público ubetense, una de esas obras del teatro de toda la vida que hicieron posible que cuajara en Úbeda la afición teatral. Se ofrece, de nuevo, una velada teatral inolvidable que viene avalada por los públicos de toda España y por la crítica.

En Miami Herald han dicho que “100 m² provoca risas y lágrimas, una comedia viva y conmovedora, con humor mordaz y diálogos brillantes”. Por su parte, en la web todosalteatro.com han dicho que en esta obra “cabe mucha soledad, mucha incomunicación y mucha amargura contenida. Pero también humor, amistad y ganas de escuchar y ayudar al que está enfrente. Muchos elementos en pocos y acertados actores, es casi una obra a dúo, en un texto inteligente, rápido y divertido.” Y la crítica Celia G. Naranjo ha escrito que “esta obra lo deja a uno con la sensación de haber saboreado un bombón de licor, donde el dulce se mezcla con el gusto amargo del alcohol sin solución de continuidad. (...) El espectador pasa de la carcajada a la lágrima en cuestión de segundos. Literalmente.” Argumentos suficientes para disfrutar de ella en el Teatro Ideal Cinema.

(100 m², de Juan Carlos Rubio, se representará en el Teatro Ideal Cinema el sábado 27 de octubre, a las 21:00 horas)

NADIE LO QUIERE CREER, DE EUSEBIO CALONGE

Eusebio Calonge es uno de los mitos vivos del teatro español. Nacido en Jerez de la Frontera en 1963, desde 1985 trabaja con la Compañía La Zaranda, a la que suministra sus textos y junto a los cuales ha perfilado el estilo teatral más personal y definido del teatro español de las últimas décadas. Sus obras han sido representadas en treinta países de tres continentes (todas sus obras han sido traducidas al inglés y al francés) y Calonge ha recibido premios de la crítica y del público en Buenos Aires, Madrid, Montevideo o Nueva York, además recibir premios a su trayectoria artística como el García Lorca, el Ollantai o el del Festival de Teatro Iberoamericano de Cádiz, todos ellos culminados con el Premio Nacional de Teatro que La Zaranda recibió en 2010.

NADIE LO QUIERE CREER (La patria de los espectros) es una de sus obras más conseguidas y aplaudidas. En ella, la personalísima lírica creada juntamente por Calonge y los actores capitaneados por Paco de La Zaranda, destila la tristeza característica de la compañía, que no es sino una constatación de la permanente derrota que es la existencia.

NADIE LO QUIERE CREER sólo puede definirse desde la poética artística que articula toda la creación teatral de La Zaranda:

“Los fantasmas brotan al amparo de las ruinas y los espejos, en la oscuridad de las vidas sin designios, en ese nosotros sin destino. Asoman en el sentimiento de lo perdido, en el anhelo de lo que nunca llegamos a tener y en la resignación de no haberlo alcanzado nunca.

Esta que fue casa de blasón, es el lugar de sus apariciones, el trozo de calendario al que se aferran, donde disecan las pretéritas glorias y cicatrizan las partes amputadas de su historia.

Quebrada la fe solo les queda el afán de sobrevivir. Desmembrados y consumidos por la enfermedad, enfrentados siempre por el pasado, apenas unas sombras, figurantes en un sainete espectral de consabido argumento: la impotencia conspirando contra la esperanza siempre.”

Estrenada en el Teatro Municipal de Salt (Gerona) el 16 de octubre de 2010, este espectáculo es una coproducción del Teatro La Zaranda y el Festival Temporada Alta, Festival de Tardor de Catalunya, Girona-Salt. Y, como ocurre con todas las obras de La Zaranda, NADIE LO QUIERE CREER ha cosechado los elogios unánimes de la crítica.

El acreditadísimo crítico Marcos Ordóñez ha dicho en El País que NADIE LO QUIERE CREER es posiblemente el “espectáculo más clásico de La Zaranda y por clásico entiendo el más narrativo, con una trama que enlaza los ritmos concéntricos y las ceremonias secretas”, concluyendo que se trata de “un soberbio sainete espectral. Tan bueno como siempre. Una admiración enorme, la de siempre también, maestros, y un respeto imponente.”

Por su parte, Joan-Anton Benach ha dicho en La Vanguardia que “con la palabra que Calonge pone en boca de Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez y Enrique Bustos –tres formidables actores– la poética liquida la estética, funcionando con golpes certeros, contundentes, que a menudo suscitan incontenibles carcajadas.” Por su parte, Joaquim Armengol señala en Avui –el prestigio de La Zaranda en Cataluña es inmenso– que “La Zaranda son muy buenos y se la juegan de verdad.”

Y Antonio Arco ha escrito para el periódico La Verdad, de Murcia, que “esto sí que es un lujo: La Zaranda trae a Murcia su último espectáculo recién salido del cielo. Un nuevo regalo de carne y alma hecho al público.”

Todo, pues, en NADIE LO QUIERE CREER (La patria de los espectros), la obra de Eusebio Calonge que esta noche representará en el Teatro Ideal Cinema compañía La Zaranda, todo, aventura un momento sublime del teatro, una exaltación de los sentidos y de los sentimientos. A buen seguro que cuando acabe la obra y se rompan los aplausos todos los espectadores sentiremos la mordida de una tenaza en los entresijos del corazón.

EL PEQUEÑO TEATRO UBETENSE

“Soy de los que creen muy de veras que al teatro hay que ir no sólo para distraerse o divertirse sino también para tratar de enriquecer el espíritu en la medida de los posible”. Con estas palabras escribía Juan Enrique García-Blanca Roa la carta de presentación del Pequeño Teatro Ubetense en el Programa de la VII Muestra de Teatro de Otoño. Corría el año 2001, y el Pequeño Teatro había sido creado un año antes por García-Blanca inspirándose en el Piccolo Teatro de Milán. Esta inspiración ha servido para que se escribiese del Pequeño Teatro Ubetense que “viene a llenar un cierto vacío, dado que otras compañías ubetenses se dedican al teatro religioso o a la producción meramente española, y este Pequeño Teatro Ubetense tiene por objetivo promocionar en Úbeda en el teatro europeo y el teatro de creación propiamente dicho”. Desde esa máxima, el creador del Pequeño Teatro Ubetense y alma mater del mismo, Juan Enrique García-Blanca (que durante muchos años ha trabajado en Francia, donde se formó como dramaturgo) se ha dedicado desde sus inicios bien a crear las obras que su compañía representaba bien a reinterpretar textos de autores como Molière, Colin Higgins o, el pasado sábado, Edward Albee.

Por las filas del Pequeño Teatro Ubetense han pasado hombres y mujeres muy implicados en la vida cultural de Úbeda. Pepe Dueñas, Paquita Moya, José Manuel Fuentes, Mariano Valcárcel, Belén Argumosa, Pepe Fuentes, Juan Manuel Garrido o Cati Ramírez son sólo algunos de esos nombres que a lo largo de doce años de vida han puesto sobre las tablas del Ideal Cinema o del Auditorio del Hospital de Santiago más de diez obras distintas, todas ellas debidas a la pluma de García-Blanca, entre las que destacan Esas locas cabecitas cuadradas, El casamiento forzoso o La familia ideal. Además de participar en la Muestra de Teatro de Otoño, el Pequeño Teatro Ubetense ha representado sus obras a beneficio de organizaciones benéficas y cofradías y ha formado parte de las programaciones culturales de Navidad.

En la Muestra de Teatro de Otoño, el Pequeño Teatro Ubetense de Juan Enrique García-Blanca Roa debutó el 26 de septiembre de 2001 con Un ricachón andaluz (inspirada en una idea de Molière). El 25 de septiembre de 202 volvió a interpretar una obra del genio francés: Tartufo o El Impostor, en versión de García-Blanca. El 30 de septiembre de 2005 (en una función homenaje a Pepe Dueñas, fallecido el mes de agosto anterior) ponían en escena Harold y Maude, escrita por Juan Enrique García-Blanca inspirándose en la novela homónima de Colin Higgins. El 29 de septiembre de 2006 representaban Historias de Familia, y a La Tapadera le llegó el turno el 28 de septiembre de 2008 y el 26 de septiembre de 2009. El 26 de septiembre de 2010 el Pequeño Teatro Ubetense representó Eróticamente femenina y el 25 de septiembre de 2010 La cisterna mágica o la nalga floja. La noche del sábado pusieron en escena la versión que Juan Enrique García-Blanca ha hecho de un texto ya mítico en el teatro contemporáneo: LA CABRA (O ¿QUIÉN ES SYLVIA?), de Edward Albee. Como era de esperar, el público salió de la sala impactado por la obra y encantado con el trabajo del Pequeño Teatro Ubetense.

LA LENGUA EN PEDAZOS

Teresa está sentada. En el teatro resuena sólo el golpe monótono del cuchillo cuando cae sobre la mesa tras haber partido la cebolla. Entra en la cocina un oficial de la Inquisición: viene a juzgar la obra que Teresa de Jesús ha principiado al abandonar el monasterio de la Encarnación para fundar el de San José —cuna de la reforma carmelitana—, viene a cortar de raíz la protesta espiritual del recién nacido Carmen Descalzo. Habla el Inquisidor y Teresa se encoge con temor, que está arrugada incluso cuando se pone de pie con su pobre indumentaria de monja que rechaza la vida lujosa de las carmelitas calzadas. Se le nota a Teresa el miedo en la voz, vacilante: sabe que el Inquisidor tiene poder suficiente para enviarla al potro de tortura y a la hoguera si se niega a volver a la obediencia del Carmen Calzado.

Y sin embargo la voz trémula de Teresa va rompiendo poco a poco el discurso pétreo con el que el Inquisidor quiere acorralarla para que renuncie a su proyecto. Más aún: el Inquisidor quiere doblegarla, partirla, vencerla, porque intuye en Teresa una amenaza terrible para el poder establecido, para la religión cosificada y ritualizada que reduce la fe a mercadeo de almas. Pero Teresa se revuelve: su voz es la de una mujer que conoce el duro papel que obliga el mundo a representar a las mujeres y que, sin embargo, no se resiste a aceptar ese sometimiento ni esa humillación. La carne de Teresa tiene miedo y tiembla, pero su voz suena pura, decidida. “A poco que hagamos las mujeres, se juzga exceso lo que hagamos”, dice Teresa cuando el fuego que abrasa su interior ha consumido todos los argumentos del Inquisidor. “Nos tiene el mundo acorraladas, mariposas cargadas de cadenas” recita Teresa cuando las palabras sin alma del Inquisidor no han bastado para doblegar su voluntad radicalmente libre, que sólo el tormento y la muerte podrían apagar ese ansia de elevación. Pero el Inquisidor no está dispuesto a llegar tan lejos: él es un hombre de seguridades, un puro de certezas inquebrantables capaz de hundir el mundo si así lo manda la ortodoxia, él cree que el sufrimiento se justifica si redime; pero él no va a llevar a Teresa a la hoguera, porque cree que su locura espiritual es ya una condena y que poco a poco se irá quedando sola en su Carmen Descalzo. Al final de la obra, el Inquisidor piensa que su decisión —dejar a Teresa sola con su “pequeño Dios”, para que sola muera— es un castigo terrible contra la monja rebelde, pero la única realidad es que Teresa y su espíritu indomable han vencido al Inquisidor.

Este es el argumento de La lengua en pedazos, una obra de Juan Mayorga que representó en Úbeda el 1 de octubre, con una interpretación sobrecogedora de Clara Sanchís y de Pedro Miguel Martínez.. Ha escrito Mayorga un texto bellísimo, que destila clasicismo y amor por la lengua y que contiene un mensaje demoledor, incómodo para los que nunca se cuestionan nada, un mensaje urgente y actual. La lengua en pedazos es una obra de temática religiosa, un intento de renovación eclesial —“la Iglesia ha de ser casa de iguales”—, un intento de hacernos ver que el único Dios verdadero es el que, estando entre pucheros, se enreda en la maquinaria de nuestra vida cotidiana y se nos hace cercano al corazón, un Dios pequeño que entiende las palabras pequeñas de nuestro día a día. Pero la obra de Mayorga es sobre todo un pregón de humanidad, una reivindicación del papel transformador de la mujer, una proclama a favor del derecho a dudar y del derecho a ser libres y a luchar por un mundo hecho a imagen de los justos. La lengua en pedazos sirve para estos tiempos negros en los que hay que defender el pan y la alegría de la furia de los inquisidores: “La lengua está en pedazos y es sólo el amor el que habla”. Es Teresa, que se dirige a nosotros, que estamos hechos pedazos, y se nos pone como ejemplo para que no escuchemos los cantos de sirena del poder, porque vivimos un tiempo en que “se llama desorden a lo que es espíritu”.

(MANUEL MADRID DELGADO, Diario IDEAL, 12 de octubre de 2012)

LA CABRA (O ¿QUIÉN ES SYLVIA?)

Cuando el 10 de marzo de 2002 se estrenaba LA CABRA (O ¿QUIÉN ES SYLVIA?) en el Golden Theatre de Nueva York, Edward Albee revolucionó, una vez más, el panorama teatral del mundo entero. Porque su obra no iba a dejar indiferente a nadie: no podía hacerlo, tan abrasador era el tema que trataba. Ya en 1962 Albee había escandalizado al público norteamericano con ¿Quién teme a Virginia Wolf? y antes del estreno de LA CABRA había escrito, desafiante, que por fin había escrito la función que lo iba a expulsar del teatro americano, porque se trataba de una obra destinada a conmocionar y molestar a cierto tipo de gente. La obra sin duda causó resquemor en todas las mentes bienpensantes, pero conquistó arrolladoramente a los públicos y a la crítica y en 2002 se hizo con todos los premios que se entregan en Nueva York a la mejor función teatral, incluyendo el Tony, el máximo galardón teatral norteamericano. Y la obra fue candidata al Putlizer, que finalmente no le fue concedido a Albee, ganador del más prestigioso premio del mundo en tres ocasiones.

A partir de ese momento, la obra comenzó a girar por medio mundo, cosechando, a partes iguales, éxitos clamorosos y protestas de los espectadores más noños, que no podían soportar el reto lanzado por Albee, esa deconstrucción de la naturaleza humana de manera devastadora, absurda y provocativa. El más prestigioso crítico teatral británico escribió que se trataba de una obra potente y muy emocionante que lo había dejado hecho polvo.

En España, la obra se estrenó en 2005 bajo la dirección de José María Pou, que había traducido el texto de Albee al catalán y el español. Como había ocurrido en el resto del mundo, se convirtió en un éxito teatral arrollador. El propio Pou dijo que LA CABRA es “una gran lección de teatro, una de las tragedias más grandes de la escena contemporánea.”

Ahora, después de un intenso y encomiable trabajo de traducción desde la versión original, Juan Enrique García-Blanca y el Pequeño Teatro Ubetense le ofrecen al público ubetense una nueva versión de la obra más subversiva y demoledora del teatro internacional del siglo XXI. Una cita ineludible para los que aman sin convenciones ni prejuicios las grandes pasiones que se despliegan sobre las tablas del escenario.

(LA CABRA (O ¿QUIÉN ES SYLVIA?), de Edward Albee –en una nueva versión española de Juan Enrique García-Blanca Roa– se representará en el Teatro Ideal Cinema el próximo sábado 13 de octubre, a las 21:00 horas)

EDWARD ALBEE

Edward Franklin Albee es uno de los gigantes del teatro contemporáneo. Nacido en Washington D.C. el 12 de marzo de 1928, con tan solo dos meses de edad fue adoptado por uno de los grandes ejecutivos del teatro norteamericano, Reed A. Albee, propietario de la cadena de teatros de variedades y salas de cine Keith-Albee, y por su esposa Francis. Sus padres le dieron una gran formación intelectual.

Comenzó su carrera literaria escribiendo novelas y poesía, pero pronto se decantó decididamente por el teatro. En 1958 estrenó en la República Federal de Alemania Historia del Zoo. Se trata de una obra simple y muy enigmática que trata sobre la enorme dificultad de comunicación entre los seres humanos. Se ha señalado con justicia que esta obra de Albee recuerda “la desoladora dramaturgia de Ionesco y Beckett”. Ese tono sombrío y esa influencia del teatro europeo estaría presente en sus obras cortas La muerte de Bessie Smith y La caja de arena, escritas entre 1958 y 1959.

Sin embargo, el primer salto a la fama le llegaría con El sueño americano, escrita en 1959, una obra negativa e incluso nihilista –James Baldwin la calificó como “una pesadilla”–, que critica sin piedad la capacidad de alineación de la sociedad estadounidense. En El sueño americano Albee saca a escena el genio agrio y polémico que le acompañará ya durante el resto de su carrera y denuncia como el sueño americano y el ansia de libertad individual son corrompidos por el culto a los ídolos creados por el capitalismo y por la mercantilización de la existencia. Con estas primeras obras, Albee introduce en los Estados Unidos el teatro europeo del absurdo, adaptándolo a la realidad y mentalidad de su país, y reiventa en la década de 1960 –así lo reconocen todos los críticos teatrales– el teatro estadounidense de la postguerra.

Pero la consagración definitiva le llegaría en 1963 con el estreno en Nueva York de ¿Quién tema a Virgina Wolf?, considerada con toda justicia como una de las obras cumbres del teatro de todos los tiempos. En esta obra crudísima Albee ridiculiza el matrimonio burgués con un lenguaje “feroz y punzante”, consiguiendo que su obra se convierta en una de las menos complacientes para con el público de toda la historia del teatro. Pero, con esa paradoja que está presente en todas las obras de Albee, su obra también mueve a la compasión para con los personajes, que es por extensión una compasión para con todo el sufrimiento humano: “El drama humano y psicológico en que se ven envueltas las dos parejas protagonistas mueven a cualquier espectador sensible, a pesar de la dureza de los diálogos, a contemplar la obra con un dejo de piedad.” La obra alcanzó tal popularidad internacional, que en 1966 se hizo una versión cinematográfica de la misma, protagonizada por Richard Burton y Elizabeth Taylor.

En 1967 consiguió su primer Premio Pulitzer con Un equilibrio delicado. El segundo le llegaría en 1975 con Seascape y el tercero en 1994 con Tres mujeres altas, una obra que había escrito en 1991. Para entonces Edward Albee era ya un autor de culto entre los amantes del teatro de todo el mundo, estaba considerado el mejor dramaturgo de su generación junto con Williams y O’Neill y uno de los mejores autores de los últimos cien años, todo ello sin renunciar nunca a la provocación que levanta ampollas en las mentalidades pequeño burguesas y a su carácter rebelde y agrio. Ingredientes todo estos que condensó de manera auténticamente sublime en LA CABRA (o ¿QUIÉN ES SYLVIA?) , posiblemente su obra más perfecta, más dramática, más intensa, más provocativa. Más humana.

SAN FRANCISCO JUGLAR DE DIOS

Dario Fo es un gigante del teatro contemporáneo. Autor y actor que bebe en las fuentes de la juglaría medieval, se ha destacado como uno de los dramaturgos más importantes de la historia y como uno de los más incómodos para el poder: paradigmáticas son sus proclamas contra la mafia, la Iglesia Católica, el poder político y la gran empresa italiana (sus obras eran constantemente censuradas en la televisión italiana de los años 60), que casi al unísono mostraron su malestar cuando en 1997 le fue concedido por la Academia Sueca el Premio Nobel de Literatura.

Obras suyas como Muerte accidental de un anarquista (1970), Aquí no paga nadie (1974) o Misterio Bufo (1998) se encuentran entre las obras cumbres del teatro de todos los tiempos. En SAN FRANCISCO JUGLAR DE DIOS, Dario Fo bebe directamente en las fuentes poéticas de la Italia medieval y, como un cántico a los juglares y a su libertad creadora, exalta la figura del santo más representativo de la humanidad evangélica. Magníficamente traducida al español por Carla Matteini, Rafael Álvarez “El Brujo” rinde con esta obra un homenaje a Dario Fo, a quien considera su maestro como actor y creador y de quien aprendió ese amor por las grandes figuras clásicas, que son imperecederas por retratar la vida sin importar el paso de los años.

Sobre esta obra, que marca una de las cumbres interpretativas de “El Brujo”, dice el propio Rafael Álvarez:

“Cada vez creo más que no existe la casualidad en esta vida. Sé que con este nombre a veces encubrimos algo que nosotros mismos sabemos que encierra un significado importante, pero extraño y nunca del todo descifrado. ¿Por qué razón yo acabé dedicándome al teatro si estudié Derecho y trabajé en tantas cosas diferentes antes de hacerlo? Dario Fo fue uno de los autores de mis primeros años; Tenía dos pistolas de ojos blancos y negros y Aquí no pasa nadie fueron obras en las que me formé como actor en aquellos primeros años. Esto es sin duda una “casualidad”, ya que viéndole actuar a él solo en el escenario descubrí lo que yo mismo quería hacer en el teatro: autosuficiencia. Poder ser el actor y la obra al mismo tiempo. ¡Ser un juglar! A él le oí utilizar esta palabra por primera vez con un significado especial y nuevo para mí.

Ahora el juglar de Europa se fascina con San Francisco de Asís, el juglar de Dios y como Oscar Wilde y tantos poetas benditos y malditos, se conmueve con la belleza y la magia de la película de Rosellini sobre él; se pone a investigar y escribe un monólogo fabuloso. Y a mí –juglar de España (al menos uno de ellos)– me toca representarlo por estos caminos que tan trillados tengo con los monólogos y los textos clásicos.

Pero esto es diferente. Este texto es un regalo de la Providencia como diría el Poverello de Asís, porque la verdad, está lleno de belleza, de ingenuidad y de candor pero con el punto inteligente y ¿pícaro? que sobre su figura aporta la investigación de Dario Fo.

En este momento una ráfaga de luz renacentista ilumina mi vida. Me encomiendo al Santo y también, ¿cómo no?, a Dario Fo. Los gallegos dicen “Dios es bueno y el diablo non es malo”.

Tan bien lo sabía el Santo que cuando lo apalearon los diablos por dormir varios días en casa de un cardenal, dijo que aquellos obraban por delegación del divino para poder impedir que él se acomodara y dejara el estrecho camino que se le había encomendado. Espero que algo de su fe en el poder redentor del AMOR y la BELLEZA nos toque a nosotros y a ustedes, el respetable público. ¡Verán que impresionante es esto!”

Realmente el espectáculo es impresionante. Tras su estreno, Eduardo Haro Tecglen escribió en El País que “el espectáculo rebosa inteligencia.” Julio Castro, escribía por su parte en La República Cultural, que se trata de una “obra muy recomendable, especialmente para los seguidores de Darío Fo, pero también para pasar un rato divertido e interesante.” Y el crítico José Ramón Díaz Sande ha dicho del SAN FRANCISCO JUGLAR DE DIOS que “La interpretación de Rafael Álvarez, El Brujo es, como en otras ocasiones, magistral y humana. Está muy lejos de ser un texto recitado al estar interrumpido, inteligentemente, por apostillas, anécdotas y alusiones actuales o cierta interacción con el público.”

(SAN FRANCISCO JUGLAR DE DIOS se representará esta noche, a las 21:30 horas, en el Teatro Ideal Cinema)

"EL APAGÓN" DE PETER SHAFFER

Un joven escultor piensa que será una noche extraordinaria para su carrera artística: un influyente coleccionista de arte acudirá a su estudio para ver sus esculturas. Por su obra VERÁ LA LUZ... Su novia ha pensado que esta será una noche extraordinaria para su relación amorosa: ha convencido a su padre (un severo ex militar) para que conozca a su prometido, una joven promesa del arte. Por fin el amor ILUMINARÁ su vida.

Para causar buena impresión, hay que hacer algo arriesgado: tomar prestadas las exquisitas obras de arte y los selectos muebles de su vecino anticuario, aprovechando que está de viaje de fin de semana. Por fin podrán APRECIAR su buen gusto...

Pero... ¿qué pasará si ocurre algo imprevisto? ¿Quién sabe? ¿Tal vez un APAGÓN? ¿La visita de una indiscreta vecina? ¿De una ex novia? ¿La vuelta anticipada de un vecino?

La convención dramática de esta comedia de situación se basa en un sencillo juego: cuando las luces del escenario están apagadas, los actores pueden ver... pero el público no. Y, cuando éstas se encienden, los espectadores pueden ver pero los intérpretes se encuentran a ciegas. Mientras, la obra transcurre en esta aparente oscuridad para los personajes que realizan todo a tientas...

¿Será posible resolver todo esto en plena oscuridad?

¿Alguien mejor que YLLANA para conseguirlo?

Todos los ingredientes de EL APAGÓN lo convierten en una obra realmente extraordinaria.

Su autor, Peter Shaffer (nacido en Londres en 1926) es, con absoluta justicia, uno de dramaturgos británicos más reputados del siglo XX. En 1973 saltó a la escena internacional con una obra de teatro realmente mítica: Equus. En 1979 escribió la mítica Amadeus, inspirada en la vida de Mozart; esta obra sería llevada al cine por Milos Forman, con un éxito arrollador, consiguiendo Shaffer un Oscal al Mejor Guión Adaptado.

Peter Shaffer pasado por el filtro creador de Yllana, que dirige esta versión de EL APAGÓN, se convierte en un auténtico lujo.

Y Peter Shaffer pasado por el filtro de Yllana e interpretado por algunos de los mejores y más conocidos actores del teatro y la televisión españolas es un lujo de esos que se cruzan por el teatro de Úbeda muy de vez en cuando. Por segunda vez en esta edición de la Muestra de Teatro, la productora de Pedro Larrañaga trae a Úbeda una obra que reúne todos los ingredientes para que el público pase una noche inolvidable, de esas que permanecen en la memoria de los espectadores cuando pasan los años. Una obra de las características de EL APAGÓN, justo es señalarlo, no habría podido estar presente en Úbeda sin la colaboración que en todo momento ha mostrado la productora, que ha hecho un gran esfuerzo para estar con el público ubetense, superando todos los problemas que para ello se planteaban: la grandísima escenografía sólo podía instalarse en el Teatro de SA.FA., pero ese teatro carece de camerinos y los artistas tendrán que acomodarse en las aulas y sala de profesores, que no tienen conexión directa con el teatro, y así un largo etcétera de impedimentos que, no obstante, no han impedido finalmente contar con una de las obras más exitosas de la temporada teatral española.

La obra, como decimos, viene precedida por un éxito mayúsculo en Madrid y “en provincias”, que dirían los antiguos programas de teatro. Horacio Oteguy Riveira ha dicho de EL APAGÓN que “El resultado final ya ha sido muy aplaudido en los teatros donde ya han representado la función. El entusiasmo del público y la crítica ha subrayado la precisión con que todos los actores se mueven en semejante cantidad de enredos.” Y por su parte, en Culturalia, después de cantar las excelencias cómicas de la obra, apuntan a su sorprendente final: “La obra se cierra con un tinte algo surrealista y es que a Gabino Diego no se le puede dar una guitarra… Aunque EL APAGÓN sea una comedia nos permite darnos cuenta de que, si bien un apagón es triste, a veces lo necesitamos para que nuestras vidas cambien.”

(EL APAGÓN se representa mañana viernes 5 de octubre, a las 21:30 horas, en el Teatro de las Escuelas Profesionales de la Sagrada Familia)

LA TERAPIA DE "POR ESOS CERROS DE ÚBEDA"

El año pasado, cuando la temporada de teatro estaba ya cerrada, se recibió en el Ayuntamiento una llamada de teléfono. Acababa de crearse un nuevo grupo teatral en Úbeda y querían representar su obra dentro de la Muestra de Teatro de Otoño. Aquello, claro, era de locos (había que corregir programas, reformar el programa de la taquilla...) pero como venían con humildad y con absoluta disposición, se les hizo un hueco dentro de la Muestra y fueron ellos los encargados de inaugurarla el viernes 24 de septiembre. Aquel grupo era “Por esos cerros de Úbeda” y la obra con la que debutaban sobre las tablas del Ideal Cinema Esto es de locos.

¿Cómo surgió aquel grupo teatral que siendo nuevo estaba compuesto por veteranos –Vicente Ruiz, Luis Carlos Latorre, Antonio García Lorente– de trayectoria sobradamente acreditada en el teatro aficionado de Úbeda? Todas las investigaciones arqueológicas nos llevan a pensar que la idea fue de Juan Martínez Millán, que si hasta ese momento había centrado su experiencia con el teatro en el ámbito escolar, incorporando el teatro al aula tanto con niños como con adultos, en julio de 2011 terminó de escribir Esto es de locos y se la entregó a Luis Carlos, Antonio y Vicente para que la montaran y la ensayaran, de tal modo que en septiembre se pudiese llamar al Ayuntamiento y decirle un par de semanas antes del inicio previsto de la Muestra que había que trastocarlo todo un poco para que el novísimo grupo teatral tuviese un hueco en las tablas del Ideal Cinema. Y tuvieron su hueco y Esto es de locos, escrita y dirigida por Juan Martínez Millán –que por ahora no concibe trabajar en el teatro como no sea escribiendo las obras que dirige y dirigiendo las obras que escribe– se estrenó con gran éxito en el teatro de Úbeda.

La verdad es que el éxito del Grupo Teatral “Por esos Cerros de Úbeda” fue tan rotundo, que con tan sólo un año de vida y representando este año su segunda obra, pueden convertirse en el grupo local que más público concite en las butacas del Teatro Ideal Cinema. ¿Cuál es la fórmula? Pues llevar a las tablas obras cargadas de frescura, dinámicas, que le entregan al público un rato de diversión, y todo ello con el respaldo del amor al teatro. Y a expectación que el Grupo ha levantado en la ciudad se nota en la taquilla y en la gran entrada que seguro van a cosechar esta noche, una de las más numerosas de la XVIII Muestra de Teatro de Otoño.

Con esos ingredientes, Juan Martínez Millán ha preparado para este año TERAPIA MÚLTIPLE DE PAREJA. Lo ha hecho con más tiempo y con un reparto más numeroso, en el que repiten algunos actores del año anterior, se suman actrices de experiencia sobrada como Nati Villar –Directora de la Escuela Municipal de Teatro– y Paquita Moya, y actores que se estrenan este año como Antonio Cobo y Elisa Hernández. Repite el director el equipo técnico de 2011, y así Diego Martínez, Antonio Díaz, Araceli Moreno, Jesús Villar y Miguel López se encargarán de la regiduría, la iluminación, el sonido y la escenografía.

Y en cuanto a la obra que “Por esos Cerros de Úbeda” representa hoy, nada mejor que tomar prestadas las palabras de su autor y director:

“Dos parejas a punto de separarse y sin ningún tipo de relación entre ellas, acuden simultáneamente y no de forma casual, a la consulta de un singular psicólogo para intentar resolver sus problemas. Para ello tendrán que someterse a su particular, innovador y único tratamiento: la terapia múltiple de parejas.

Durante el transcurso de la misma se sucederán diversas, divertidas e incluso comprometidas situaciones que no dejarán indiferentes ni a las parejas ni al propio terapeuta, y tampoco al público asistente a la representación.

Terapia Múuuuuuuuuuuuuuuuultiple de Parejas es una comedia en la cual sus personajes se enfrentan a sus problemas de pareja intentando hacer reír al público. Sin embargo, les advertimos que si no en las formas, sí en el fondo, se plantean métodos y estrategias que tienen una buena dosis de base psicológica o al menos de sentido común (reflexión, comunicación, empatía, acercar posturas, ceder, buscar soluciones...).

Deseamos y esperamos que les guste.”

(TERAPIA MÚLTIPLE DE PAREJAS, de Juan Martínez Millán, se representará esta noche a las 21:30 horas en el Teatro Ideal Cinema)